miércoles, 25 de febrero de 2026

Vergüenza, una de los nuevos personajes de Del Revés 2.

 


En Del Revés 2 (la secuela de Del Revés), Vergüenza aparece como una emoción nueva que llega en plena adolescencia de Riley, cuando todo empieza a importar el triple: lo que piensan los demás, cómo encajas, si haces el ridículo… Ese momento vital es básicamente el hábitat natural de la vergüenza.

Psicológicamente, Vergüenza no es “el malo”. Es torpe, se esconde detrás de su sudadera, habla bajito, quiere desaparecer cuando algo sale mal. Pero no es cruel. Más bien es hipersensible a la mirada externa. Está obsesionado con evitar la exposición, con que Riley no quede en evidencia. Si Ansiedad va a mil por hora intentando controlar el futuro, Vergüenza intenta apagar el foco cuando siente que la están mirando demasiado.

¿Y por qué se supone que protege a Tristeza? Porque, en el fondo, comparten algo muy delicado: vulnerabilidad. Tristeza representa la conexión a través del dolor, el reconocer que algo duele. Pero mostrarse triste en público —sobre todo en la adolescencia— puede activar la vergüenza. Vergüenza intenta tapar esa exposición. No quiere que Riley quede “demasiado expuesta” emocionalmente. Así que su impulso protector es: “Si esto nos hace ver débiles o raros, mejor lo escondemos”. No es que quiera silenciar a Tristeza por maldad; es que confunde proteger con ocultar.

Y eso es bastante fiel a cómo funciona la vergüenza en la psicología humana. La vergüenza es una emoción social. No nace tanto de “he hecho algo malo” (eso sería más culpa), sino de “hay algo malo en mí” o “me van a rechazar si ven esto”. Es una alarma que suena cuando sentimos que no encajamos o que estamos fuera de las normas del grupo. Evolutivamente tiene sentido: durante miles de años, ser expulsado del grupo podía significar no sobrevivir. Así que mejor evitar hacer el ridículo, mejor no romper las reglas implícitas.

El problema es que, cuando la vergüenza se vuelve demasiado intensa o constante, empieza a ser corrosiva. Puede hacer que la persona se esconda, que no pida ayuda, que no exprese tristeza, miedo o incluso alegría por temor a quedar mal. Es una emoción que protege la pertenencia, pero a veces al precio de la autenticidad.

Lo interesante es que, igual que pasa con Tristeza en la primera película, la vergüenza no es “innecesaria”. Bien calibrada, nos ayuda a desarrollar empatía, a respetar límites sociales, a reconocer cuando hemos cruzado una línea. Es la que te hace pensar: “Uf, eso no estuvo bien, mejor lo arreglo”. Pero cuando se convierte en identidad —“soy ridículo”, “soy insuficiente”— ya no está ayudando, está encerrando.

En la adolescencia, que es justo el momento que retrata la peli, la vergüenza suele estar a tope porque la identidad está en construcción y la mirada de los demás pesa muchísimo. Por eso el personaje es tan grande físicamente pero quiere hacerse pequeño: representa una emoción enorme por dentro que intenta desaparecer por fuera.

En resumen, Vergüenza no está ahí para fastidiar a Tristeza, sino para evitar que Riley quede expuesta en un mundo que ahora siente más crítico que nunca. Es una emoción que intenta cuidar la pertenencia, aunque a veces se pase de protectora y termine aislando más de lo que protege. Y eso, la verdad, nos ha pasado a casi todos alguna vez

martes, 17 de febrero de 2026

DEL REVÉS 2.


DEL REVÉS 2 retoma la historia de Riley ya como adolescente, justo cuando su mente entra en una etapa de remodelación total: la pubertad. El “cuartel general” de sus emociones sufre una renovación inesperada con la llegada de nuevas emociones, que alteran el equilibrio que Alegría y las demás habían logrado en la infancia.

Resumen de la película

Riley asiste a un campamento de hockey que podría definir su futuro deportivo y social. Quiere encajar con un nuevo grupo de chicas mayores y, al mismo tiempo, mantener su amistad con sus mejores amigas. Este conflicto activa una tormenta emocional: sus emociones originales intentan proteger su sentido de identidad, pero las nuevas emociones toman el control con una visión más ansiosa y orientada al futuro.

La trama gira en torno a la lucha interna por definir quién es Riley y qué tipo de persona quiere ser. Cuando Ansiedad construye una versión idealizada de Riley basada en el éxito y la aceptación social, desplaza a las emociones originales. Estas deben regresar al cuartel general para restaurar el equilibrio y ayudar a Riley a aceptar que su identidad puede incluir fortalezas y debilidades.

Al final, Riley integra todas sus emociones, entendiendo que crecer implica convivir con inseguridades y expectativas sin perder su autenticidad.

Papel de cada emoción en el comportamiento de Riley

Emociones originales

  • Alegría
    Busca que Riley disfrute la experiencia y mantenga una visión positiva. Representa el deseo de conservar la espontaneidad de la infancia y proteger sus recuerdos felices.

  • Tristeza
    Permite que Riley reconozca pérdidas y frustraciones. Facilita la empatía y la conexión con sus amigas cuando siente que las está dejando atrás.

  • Furia
    Expresa su frustración ante la presión del campamento y las injusticias percibidas. Le da energía para defenderse y afirmar sus límites.

  • Miedo
    La alerta sobre riesgos sociales y deportivos. Contribuye a que sea cautelosa, aunque a veces puede volverla insegura.

  • Desagrado
    Regula su sensibilidad social: la ayuda a evitar situaciones vergonzosas y a cuidar su imagen frente a las demás.

Nuevas emociones

  • Ansiedad
    Es la emoción dominante en la adolescencia de Riley. Se enfoca en el futuro y en la necesidad de encajar. Aunque intenta protegerla del fracaso, la lleva a sobreexigirse y a actuar de forma poco auténtica.

  • Envidia
    Hace que Riley se compare con las jugadoras mayores y desee sus habilidades y popularidad, impulsándola a mejorar pero también a sentirse insuficiente.

  • Vergüenza
    Intensifica su autoconciencia. Influye en su temor a equivocarse en público y en su preocupación por la opinión ajena.

  • Aburrimiento
    Representa su apatía ante ciertas normas o situaciones. Aporta una actitud distante y sarcástica típica de la adolescencia.

Idea central

La película muestra que el comportamiento de Riley no está guiado por una sola emoción, sino por la interacción de todas. El mensaje principal es que madurar implica integrar emociones contradictorias: la ansiedad puede convivir con la alegría, y la tristeza con la esperanza. Esa mezcla es lo que permite a Riley construir una identidad más compleja y realista.

lunes, 16 de febrero de 2026

MARÍA ANTONIETA, de Sofía Coppola.


 La película Marie Antoinette de Sofía Coppola no intenta ser un documental — es más bien un retrato sensorial y emocional — pero si la miramos desde la historia estricta, tiene varios agujeros de guión o licencias que distorsionan bastante los hechos. Te dejo los más comentados:


Principales agujeros históricos

👑 1. La Revolución Francesa aparece casi de la nada

En la película, la caída de la monarquía se siente abrupta, como si el pueblo pasara de la indiferencia al odio en cuestión de minutos. En realidad, el deterioro político fue gradual: crisis financieras, malas cosechas y tensiones sociales se acumularon durante años. El film apenas muestra el contexto económico que convirtió a María Antonieta en un símbolo del exceso aristocrático.

👉 Resultado: parece que la reina es víctima de un cambio repentino, cuando históricamente fue un proceso largo y complejo.


🤴 2. La relación con Luis XVI está simplificada

El matrimonio entre María Antonieta y Luis XVI de Francia se retrata como torpe pero casi entrañable, con poco conflicto político. Sin embargo, su relación estuvo fuertemente condicionada por presiones diplomáticas y expectativas dinásticas. La película reduce la dimensión política del matrimonio a un drama íntimo.

👉 Se pierde el peso de Austria y Francia como potencias rivales reconciliándose a través del matrimonio.


🏰 3. Versalles como burbuja aislada del mundo

El Palacio de Versalles se muestra como un microcosmos casi desconectado de Francia. Aunque la corte sí vivía en una burbuja, estaba constantemente influida por intrigas políticas, diplomáticas y económicas que la película apenas toca.

👉 Esto crea la impresión de que la reina ignoraba por completo el país, cuando en realidad recibía información constante (aunque no siempre la interpretara bien).


💎 4. El escándalo del collar desaparece

Uno de los mayores escándalos que dañó la reputación de María Antonieta —el Asunto del collar de diamantes— ni siquiera aparece. Este evento fue crucial para consolidar la imagen pública de la reina como derrochadora y corrupta, aunque ella no fue directamente culpable.

👉 Su ausencia elimina una pieza clave para entender por qué el pueblo la odiaba tanto.


⚔️ 5. El final evita las consecuencias más duras

La película termina antes del encarcelamiento y ejecución de la familia real. Dramáticamente es coherente con la intención de Coppola (centrarse en la juventud y el esplendor), pero históricamente deja la historia inconclusa.

👉 Esto suaviza la tragedia y transforma la narrativa en una elegía estética más que en un drama histórico completo.


Si quieres, puedo profundizar en qué partes sí son sorprendentemente fieles a la historia — la película tiene varios aciertos interesantes — o compararla con otras representaciones cinematográficas de María Antonieta.

LOS ACIERTOS DE ESTA CINTA.

Claro — y aquí es donde la película sorprende. Aunque Marie Antoinette es famosa por sus licencias estéticas, también tiene varios aciertos históricos finos que a veces pasan desapercibidos:


🎀 1. La etiqueta sofocante de la corte

La película retrata muy bien el ritual absurdo y público del vestir de la reina en el Palacio de Versalles. Esa escena en la que varias damas esperan su rango para entregarle prendas no es exageración: la etiqueta de la corte francesa era extremadamente rígida.

👉 Históricamente, María Antonieta experimentó esa rutina como una invasión constante de su intimidad.


🇦🇹 2. Su juventud y desarraigo cultural

Cuando María Antonieta llega a Francia, la película enfatiza su edad y su desconcierto. Tenía 14 años, hablaba francés con acento y fue arrancada de la corte austríaca casi de golpe. El film acierta al mostrarla más como adolescente desorientada que como villana calculadora.

👉 Ese choque cultural fue real y documentado en cartas de la época.


💌 3. La presión por consumar el matrimonio

La tensión en torno a su relación con Luis XVI de Francia está bien capturada. La incapacidad de la pareja para producir un heredero durante años fue un escándalo diplomático. Había rumores constantes, informes médicos y presión internacional.

👉 No era solo chisme de palacio: era un asunto de Estado.


🌿 4. El refugio en el Petit Trianon

El retiro de la reina al Petit Trianon y su idealización de una vida pastoral sí tienen base histórica. María Antonieta buscó escapar del protocolo construyendo un espacio más íntimo, con jardines y una aldea artificial.

👉 Fue criticada por “jugar a ser campesina” mientras el país sufría.


🎭 5. El retrato psicológico de una reina frívola… pero humana

La mayor fidelidad no es un evento concreto sino el tono: Sofía Coppola acierta al presentar a María Antonieta como alguien atrapada entre privilegio y aislamiento. Muchas fuentes históricas coinciden en que no fue el monstruo decadente de la propaganda revolucionaria, sino una figura compleja: caprichosa, sí, pero también solitaria y políticamente inexperta.

👉 La película capta bien esa mezcla de glamour y vacío.

miércoles, 11 de febrero de 2026

El primer tren de vapor.

 


Mira, todo esto de los trenes no empezó como algo romántico ni épico, empezó por pura necesidad práctica: sacar carbón de las minas. En Inglaterra, a finales del siglo XVIII y principios del XIX, las minas producían muchísimo carbón y había que moverlo rápido y barato hasta los puertos o las fábricas. Al principio usaban vagones tirados por caballos sobre raíles de madera o hierro. Era básicamente logística minera mejorada. Nada glamuroso.

La relación del hombre medieval con su propio cuerpo.

 


En el scriptorium, la luz de la tarde cae oblicua sobre los pergaminos. Adso observa a su maestro con inquietud mientras este limpia cuidadosamente una lente de aumento.

ADSO: Maestro, me atormenta una cuestión… Vos decís que para comprender nuestro tiempo debemos entender cómo los hombres miran el mundo. Pero ¿cómo miran el cuerpo? Parece que lo temen más de lo que lo aman.

GUILLERMO: (sonríe levemente) Lo temen porque lo aman, Adso. Y lo aman porque lo temen. El cuerpo es el recordatorio constante de nuestra caída. En él se manifiesta el deseo, la enfermedad, la corrupción… y también la belleza de la creación. Esa ambigüedad inquieta a los hombres.

ADSO: ¿Y los leprosos, maestro? Muchos dicen que su carne deshecha es signo visible del pecado invisible.

GUILLERMO: Así lo creen muchos. En la mentalidad común, la lepra no es sólo enfermedad, sino metáfora. Se piensa que la corrupción del alma aflora en la piel, como si Dios hubiera querido escribir con llagas el pecado oculto. Pero recuerda, Adso: la enfermedad no prueba la culpa. Si así fuera, todo enfermo sería un criminal y todo sano un santo. Y sabemos que no es así.

ADSO: Sin embargo, se les expulsa, se les obliga a anunciar su presencia…

GUILLERMO: Porque el miedo es más fuerte que la caridad. El cuerpo enfermo recuerda al sano su fragilidad. Y nada teme más el hombre medieval que aquello que desordena el orden visible querido por Dios.

ADSO: ¿Es por eso también que judíos y prostitutas deben vestir de modo distinto? He visto señales cosidas en sus ropas…

GUILLERMO: Sí. El vestido no es mero abrigo, sino signo. En nuestra época, cada prenda dice quién eres y cuál es tu lugar en la jerarquía del mundo. Al judío se le impone una marca para distinguirlo; a la meretriz, otra para advertir su oficio. Se cree que el orden social debe verse con los ojos, para que nadie cruce los límites asignados.

ADSO: ¿Y si alguien lo hiciera?

GUILLERMO: Entonces no sería simple desobediencia, sino desafío al orden entero. Ponerse una prenda que no corresponde —sea hábito monástico sin vocación, espada sin linaje o velo sin honestidad— se considera usurpación. Y la usurpación exige castigo.

ADSO: Como las mutilaciones… He visto ladrones sin mano, blasfemos sin lengua.

GUILLERMO: El castigo corporal tiene una lógica terrible pero coherente: si el cuerpo fue instrumento del crimen, el cuerpo debe pagar. La justicia medieval escribe en la carne la falta cometida. Así, el delito se vuelve visible, permanente. Se pretende que el cuerpo marcado sea lección para los demás.

ADSO: (dudando) Y… ¿la mujer, maestro? Muchos sermones dicen que su cuerpo es ocasión de pecado.

GUILLERMO: (suspira) Ah, Adso… El cuerpo de la mujer ha sido convertido en símbolo del deseo que desestabiliza al hombre. Desde Eva se la ha visto como puerta por la que entra la tentación. Pero el deseo no reside sólo en ella, sino en la mirada de quien la contempla. Sin embargo, la predicación insiste en que la mujer debe velarse, ocultarse, disciplinarse, para que el varón no caiga.

ADSO: Entonces, ¿el deseo es siempre malo?

GUILLERMO: No. Es fuerza dada por Dios para la continuidad de la vida. Pero la Iglesia enseña que debe ser encauzado dentro del matrimonio, ordenado a la procreación. El placer sin propósito reproductivo se sospecha como rebeldía contra el designio divino. Por eso la reproducción se santifica y el deseo se vigila.

ADSO: Parece que todo en el cuerpo está bajo sospecha…

GUILLERMO: Porque el cuerpo recuerda que somos materia y espíritu al mismo tiempo. Y el hombre medieval desconfía de aquello que no puede dividir con claridad. Ama el alma porque la cree eterna; teme el cuerpo porque sabe que muere… y porque a través de él puede pecar.

Guillermo deja la lente sobre la mesa y mira a Adso con gravedad.

GUILLERMO: Pero no olvides esto, muchacho: el mismo Dios que se hizo carne dignificó el cuerpo. Si lo despreciáramos del todo, despreciaríamos también la Encarnación. Entre la condena y la idolatría del cuerpo, la sabiduría está en comprender su ambigüedad.

ADSO: Entonces, maestro… ¿el cuerpo es prisión o templo?

GUILLERMO: (con una leve sonrisa) Depende de cómo lo habites, Adso. Depende de cómo lo habites.

lunes, 9 de febrero de 2026

El Mardi Grass de Nueva Orleans.

 


¿Qué es el Mardi Gras?

“Mardi Gras” es francés para “Martes Gordo” —el día antes del Miércoles de Ceniza—, y forma parte de una temporada de fiesta conocida como Carnaval, que viene desde la Europa medieval cristiana (vinculado a comer de todo antes de la Cuaresma).

En lugares como Nueva Orleans (EE. UU.), este “Martes Gordo” fue adoptado de la tradición francesa cuando los colonos llegaron allá en el siglo XVII. La primera referencia registrada de un Mardi Gras en Luisiana data de 1699.

Con el tiempo la fiesta fue creciendo hasta convertirse en lo que hoy conocemos: desfiles enormes, disfraces, música, baile y miles de personas en las calles celebrando juntos.


🎉 ¿Cómo empezó la tradición moderna?

Aunque los festejos venían pasando desde hace siglos, la forma moderna de Mardi Gras con desfiles organizados arrancó cuando grupos sociales empezaron a planear carrozas, bailes y rutas de desfile.

🛡️ Krewes: los grupos detrás de la fiesta

  • Una krewe es básicamente un club social/carnavalero que organiza bailes, paradas y carrozas durante el Carnaval.

  • El Mistick Krewe of Comus, fundado en 1857, fue la primera krewe moderna que organizó un desfile formal en Nueva Orleans.

  • Después vinieron más: Rudolph/Proteus/Momus/Rex y otras decenas que hoy en día componen la rica tradición del Mardi Gras neoyorleanés.

Ese esquema de “club secreto que desfila, tira regalos y organiza bailes” se volvió leyenda: cada krewe tiene su estilo, historia y tema anual.


🎊 Tradiciones clásicas

💜 Colores:
Morado (justicia), verde (fe) y oro (poder). Estos colores fueron elegidos por la Krewe de Rex en 1872 y se volvieron un símbolo de la fiesta.

🍰 King Cake:
Un pastel típico de esta época, decorado en esos colores y con una figurita escondida dentro —quien la encuentre, paga el próximo.

🔥 Flambeaux:
Antorchas que iluminan los desfiles por la noche, originadas en los albores de los festejos modernos.

🎭 Máscaras y disfraces:
Permiten jugar con el anonimato y el desenfreno antes de la temporada de Cuaresma.

🥥 Zulu coconuts y otros throws:
Además de cuentas, hay tradiciones de regalar cocos pintados a mano o souvenirs únicos.


📿 ¿De dónde viene lo de tirar collares?

La costumbre de tirar cosas a la multitud (los llamados throws) no fue desde siempre parte del Mardi Gras. Según apuntan registros históricos, la idea de lanzar cuentas y regalos empezó con los desfiles en el siglo XIX, y se hizo popular con la Krewe of Rex en 1872 (atando los collares a la tradición de los colores).

Antes de eso, los objetos que se lanzaban eran menos “industrializados”: regalos simples, trozos de pastel, o pequeños tokens. Ahora, con carros gigantes y rutas largas, se ha convertido en algo enorme y muy esperado por los asistentes.


🌍 El lado no tan bonito: impacto ambiental

Aquí empieza el tema serio. 🤨

🧵 ¿Por qué es un problema?

La tradición moderna de tirar collares de plástico (los típicos collares de cuentas brillantes) ha tenido consecuencias negativas serias para el medio ambiente:

📌 Montones de residuos: Cada temporada de Carnaval, Nueva Orleans acumula una montaña de basura (incluidos collares, vasos y adornos). En 2022, se estimó que más de 1 150 toneladas de basura se llevaron a vertederos en solo 11 días de celebraciones.

📌 Colisión con infraestructura: En 2018, se encontró 93 000 libras (~42 000 kg) de collares obstruyendo solo cinco manzanas de drenaje.

📌 Plástico que no se descompone: Las cuentas de plástico son de plástico petroquímico —es decir, tardan siglos en degradarse y se convierten en microplásticos que pueden llegar al agua, suelos y vida silvestre.

📌 Tóxicos y salud: Investigaciones han encontrado que estas cuentas pueden contener metales pesados y flame retardants peligrosos, lo que significa que si las tocan niños o se descomponen en el ambiente, pueden afectar la salud.


🌱 ¿Se está haciendo algo al respecto?

Sí —y eso está guay:

Alternativas sostenibles:
Algunas krewes están optando por throws biodegradables o reciclables, y otros grupos hacen collares de papel reciclado o incluso objetos útiles (como mini kits de jardinería).

Programas de reciclaje:
Hay iniciativas donde voluntarios caminan por las rutas recolectando basura y collares para reciclar.

Organizaciones locales:
Algunas organizaciones recogen los collares después de los desfiles y los venden o reutilizan el año siguiente, reduciendo residuos.

Pero aún es un reto grande porque la cultura de “cuanto más y más collares, mejor” todavía pesa mucho en la tradición popular.


🧠 En resumen, en plan coloquial

Mardi Gras es ante todo una gran fiesta global con raíces religiosas y europeas antiguas. En Nueva Orleans se convirtió en un carnaval enorme gracias a las krewes, que organizan paradas, bailes y lanzan regalos a la gente. Tirar collares coloridos es parte del encanto (y de la adrenalina de la multitud), pero resulta que esos collares de plástico hacen un montón de desastre en la ciudad y el medio ambiente si no se gestionan bien. Las alternativas ecológicas están creciendo, pero todavía queda camino por recorrer para que la tradición no cueste tanto a la tierra. 🌍💜💚💛


¿Quieres que te dé también ejemplos de krewes famosas o cuándo cae Mardi Gras en 2026 y cómo se celebra exactamente ese día? (Puedo profundizar en eso)

La Krewe of Zulu es una de las agrupaciones más míticas y con más personalidad del Mardi Gras de Nueva Orleans. No es solo un desfile más: es historia viva, humor, crítica social y orgullo afroamericano todo mezclado en una fiesta enorme. Nació en 1909, cuando un grupo de trabajadores afroamericanos decidió montar su propio carnaval porque, en aquella época, muchas krewes tradicionales eran exclusivas para blancos. Así que los Zulu dijeron básicamente: pues hacemos el nuestro, a nuestra manera.

El nombre viene de una obra teatral llamada There Never Was and Never Will Be a King Like Me, inspirada en estereotipos africanos que hoy pueden resultar incómodos, y de hecho la krewe ha tenido que evolucionar mucho con el tiempo. Al principio usaban disfraces exagerados, faldas de hierba y maquillaje oscuro, en un tono claramente satírico. Con los años, Zulu fue dejando atrás lo más ofensivo y convirtiendo el desfile en una celebración de la identidad, la resistencia y la creatividad negra en Nueva Orleans.

Una de las cosas que más la hace famosa son sus cocos decorados a mano. En lugar de solo tirar collares de cuentas, los miembros de Zulu lanzan cocos pintados, tallados y firmados, que hoy son auténticos objetos de colección. Pillar uno es como ganarte la lotería del Mardi Gras. Antes incluso los tiraban al público sin más, pero ahora los entregan con más cuidado porque, claro, un coco volando puede ser peligroso 😅.

El desfile de Zulu suele celebrarse el mismo día de Mardi Gras por la mañana, y eso también es simbólico: es de los primeros grandes desfiles del día, como diciendo “aquí estamos”. Además, el “Rey Zulu” es una figura importantísima, y ser elegido es un honor enorme dentro de la comunidad. No es solo alguien disfrazado: representa liderazgo, respeto y compromiso con la ciudad.

Zulu también ha tenido momentos difíciles. Durante décadas fue menospreciada por sectores más “tradicionales” del carnaval, y tras el huracán Katrina incluso se plantearon no desfilar porque la ciudad estaba destrozada. Pero al final salieron igual, como un gesto de resistencia y esperanza, y ese desfile se recuerda como uno de los más emotivos de la historia reciente de Nueva Orleans.

Hoy en día, la Krewe of Zulu es vista como una institución cultural, no solo una fiesta. Mantiene tradiciones, apoya causas comunitarias y recuerda que el Mardi Gras no es solo brillo y alcohol, sino también historia, lucha y orgullo. Es ruidosa, divertida, irónica y profundamente neoorleanesa. Si entiendes a Zulu, entiendes una parte muy importante del alma de la ciudad.

jueves, 5 de febrero de 2026

Los aviones supersónicos Concorde.

 

 

El Concorde: información general

El Concorde fue un avión de pasajeros supersónico desarrollado conjuntamente por Francia (Aérospatiale) y Reino Unido (British Aircraft Corporation). Voló comercialmente entre 1976 y 2003, operado únicamente por Air France y British Airways. Fue el único avión supersónico de pasajeros que alcanzó un uso comercial regular.


📊 Ficha técnica del Concorde

  • Velocidad máxima: Mach 2,04 (≈ 2.180 km/h)

  • Altitud de crucero: ~18.000 metros

  • Autonomía: ~6.500 km

  • Capacidad: 92–128 pasajeros (configuración habitual: ~100)

  • Longitud: 61,7 m

  • Envergadura: 25,6 m

  • Motores: 4 × Rolls-Royce/Snecma Olympus 593 (turborreactores con postcombustión)

  • Tiempo de vuelo París–Nueva York: ~3 h 30 min

  • Consumo de combustible: Muy elevado (varias veces superior al de un avión subsónico por pasajero)


🚀 Razones de su puesta en marcha

El Concorde nació en los años 60, en pleno contexto de Guerra Fría y de fuerte competencia tecnológica.

Motivaciones principales:

  1. Prestigio tecnológico y político: demostrar liderazgo europeo frente a EE. UU. y la URSS.

  2. Reducción drástica de tiempos de viaje en rutas transatlánticas.

  3. Innovación aeronáutica: desarrollo de nuevas soluciones en aerodinámica, materiales y motores.

  4. Mercado de élite: orientado a empresarios, diplomáticos y clientes de alto poder adquisitivo.

Más que un proyecto rentable, fue un símbolo de avance tecnológico.


⚠️ Inconvenientes para los pasajeros

Aunque era espectacular, no estaba exento de desventajas:

  • Precio muy alto del billete (varias veces superior a clase ejecutiva).

  • 🔊 Ruido interior elevado, especialmente durante despegue y aceleración supersónica.

  • 🪑 Cabina estrecha: menos espacio que en aviones convencionales.

  • 🧳 Limitación de equipaje.

  • 🌡️ Calentamiento del fuselaje: el avión se alargaba varios centímetros en vuelo debido a la fricción.


🌍 Impacto ambiental

El Concorde fue muy criticado desde el punto de vista ecológico:

  • 🌪️ Altísimo consumo de combustible por pasajero.

  • 💨 Emisiones de NOx a gran altitud, potencialmente dañinas para la capa de ozono.

  • 🔊 Boom sónico: explosión sonora al romper la barrera del sonido, que impedía vuelos supersónicos sobre tierra.

  • 🏙️ Ruido extremo en despegues y aterrizajes, especialmente problemático cerca de aeropuertos.


💥 El siniestro aéreo de 2000 (Vuelo Air France 4590)

📅 Fecha y lugar

  • 25 de julio de 2000

  • Aeropuerto Charles de Gaulle (París)

  • Destino: Nueva York

🔍 Qué ocurrió

  1. Un DC-10 que había despegado antes perdió una tira metálica en la pista.

  2. Durante la carrera de despegue, el Concorde pisó la pieza metálica.

  3. Un neumático reventó, y fragmentos perforaron un depósito de combustible.

  4. El combustible se incendió, provocando fuego en el ala.

  5. El avión perdió potencia y se estrelló poco después del despegue.

⚰️ Víctimas

  • 109 personas a bordo

  • 4 personas en tierra

  • Total: 113 fallecidos

🧠 Consecuencias

  • Suspensión inmediata de los vuelos del Concorde.

  • Modificaciones técnicas (depósitos reforzados, neumáticos más resistentes).

  • Pérdida de confianza del público.

  • Sumado a los altos costes y al descenso del tráfico aéreo tras el 11-S, llevó a su retirada definitiva en 2003.


Vergüenza, una de los nuevos personajes de Del Revés 2.

  En Del Revés 2 (la secuela de Del Revés ), Vergüenza aparece como una emoción nueva que llega en plena adolescencia de Riley, cuando todo...