DEL REVÉS 2.

DEL REVÉS 2 retoma la historia de Riley ya como adolescente, justo cuando su mente entra en una etapa de remodelación total: la pubertad. El “cuartel general” de sus emociones sufre una renovación inesperada con la llegada de nuevas emociones, que alteran el equilibrio que Alegría y las demás habían logrado en la infancia.

Resumen de la película

Riley asiste a un campamento de hockey que podría definir su futuro deportivo y social. Quiere encajar con un nuevo grupo de chicas mayores y, al mismo tiempo, mantener su amistad con sus mejores amigas. Este conflicto activa una tormenta emocional: sus emociones originales intentan proteger su sentido de identidad, pero las nuevas emociones toman el control con una visión más ansiosa y orientada al futuro.

La trama gira en torno a la lucha interna por definir quién es Riley y qué tipo de persona quiere ser. Cuando Ansiedad construye una versión idealizada de Riley basada en el éxito y la aceptación social, desplaza a las emociones originales. Estas deben regresar al cuartel general para restaurar el equilibrio y ayudar a Riley a aceptar que su identidad puede incluir fortalezas y debilidades.

Al final, Riley integra todas sus emociones, entendiendo que crecer implica convivir con inseguridades y expectativas sin perder su autenticidad.

Papel de cada emoción en el comportamiento de Riley

Emociones originales

• Alegría
  Busca que Riley disfrute la experiencia y mantenga una visión positiva. Representa el deseo de conservar la espontaneidad de la infancia y proteger sus recuerdos felices.

• Tristeza
  Permite que Riley reconozca pérdidas y frustraciones. Facilita la empatía y la conexión con sus amigas cuando siente que las está dejando atrás.

• Furia
  Expresa su frustración ante la presión del campamento y las injusticias percibidas. Le da energía para defenderse y afirmar sus límites.

• Miedo
  La alerta sobre riesgos sociales y deportivos. Contribuye a que sea cautelosa, aunque a veces puede volverla insegura.

• Desagrado
  Regula su sensibilidad social: la ayuda a evitar situaciones vergonzosas y a cuidar su imagen frente a las demás.

Nuevas emociones

• Ansiedad
  Es la emoción dominante en la adolescencia de Riley. Se enfoca en el futuro y en la necesidad de encajar. Aunque intenta protegerla del fracaso, la lleva a sobreexigirse y a actuar de forma poco auténtica.

• Envidia
  Hace que Riley se compare con las jugadoras mayores y desee sus habilidades y popularidad, impulsándola a mejorar pero también a sentirse insuficiente.

• Vergüenza
  Intensifica su autoconciencia. Influye en su temor a equivocarse en público y en su preocupación por la opinión ajena.

• Aburrimiento
  Representa su apatía ante ciertas normas o situaciones. Aporta una actitud distante y sarcástica típica de la adolescencia.

Idea central

La película muestra que el comportamiento de Riley no está guiado por una sola emoción, sino por la interacción de todas. El mensaje principal es que madurar implica integrar emociones contradictorias: la ansiedad puede convivir con la alegría, y la tristeza con la esperanza. Esa mezcla es lo que permite a Riley construir una identidad más compleja y realista.

MARÍA ANTONIETA, de Sofía Coppola.

 La película Marie Antoinette de Sofía Coppola no intenta ser un documental — es más bien un retrato sensorial y emocional — pero si la miramos desde la historia estricta, tiene varios agujeros de guión o licencias que distorsionan bastante los hechos. Te dejo los más comentados:

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Principales agujeros históricos

👑 1. La Revolución Francesa aparece casi de la nada

En la película, la caída de la monarquía se siente abrupta, como si el pueblo pasara de la indiferencia al odio en cuestión de minutos. En realidad, el deterioro político fue gradual: crisis financieras, malas cosechas y tensiones sociales se acumularon durante años. El film apenas muestra el contexto económico que convirtió a María Antonieta en un símbolo del exceso aristocrático.

👉 Resultado: parece que la reina es víctima de un cambio repentino, cuando históricamente fue un proceso largo y complejo.

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🤴 2. La relación con Luis XVI está simplificada

El matrimonio entre María Antonieta y Luis XVI de Francia se retrata como torpe pero casi entrañable, con poco conflicto político. Sin embargo, su relación estuvo fuertemente condicionada por presiones diplomáticas y expectativas dinásticas. La película reduce la dimensión política del matrimonio a un drama íntimo.

👉 Se pierde el peso de Austria y Francia como potencias rivales reconciliándose a través del matrimonio.

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🏰 3. Versalles como burbuja aislada del mundo

El Palacio de Versalles se muestra como un microcosmos casi desconectado de Francia. Aunque la corte sí vivía en una burbuja, estaba constantemente influida por intrigas políticas, diplomáticas y económicas que la película apenas toca.

👉 Esto crea la impresión de que la reina ignoraba por completo el país, cuando en realidad recibía información constante (aunque no siempre la interpretara bien).

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💎 4. El escándalo del collar desaparece

Uno de los mayores escándalos que dañó la reputación de María Antonieta —el Asunto del collar de diamantes— ni siquiera aparece. Este evento fue crucial para consolidar la imagen pública de la reina como derrochadora y corrupta, aunque ella no fue directamente culpable.

👉 Su ausencia elimina una pieza clave para entender por qué el pueblo la odiaba tanto.

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⚔️ 5. El final evita las consecuencias más duras

La película termina antes del encarcelamiento y ejecución de la familia real. Dramáticamente es coherente con la intención de Coppola (centrarse en la juventud y el esplendor), pero históricamente deja la historia inconclusa.

👉 Esto suaviza la tragedia y transforma la narrativa en una elegía estética más que en un drama histórico completo.

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Si quieres, puedo profundizar en qué partes sí son sorprendentemente fieles a la historia — la película tiene varios aciertos interesantes — o compararla con otras representaciones cinematográficas de María Antonieta.

LOS ACIERTOS DE ESTA CINTA.

Claro — y aquí es donde la película sorprende. Aunque Marie Antoinette es famosa por sus licencias estéticas, también tiene varios aciertos históricos finos que a veces pasan desapercibidos:

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🎀 1. La etiqueta sofocante de la corte

La película retrata muy bien el ritual absurdo y público del vestir de la reina en el Palacio de Versalles. Esa escena en la que varias damas esperan su rango para entregarle prendas no es exageración: la etiqueta de la corte francesa era extremadamente rígida.

👉 Históricamente, María Antonieta experimentó esa rutina como una invasión constante de su intimidad.

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🇦🇹 2. Su juventud y desarraigo cultural

Cuando María Antonieta llega a Francia, la película enfatiza su edad y su desconcierto. Tenía 14 años, hablaba francés con acento y fue arrancada de la corte austríaca casi de golpe. El film acierta al mostrarla más como adolescente desorientada que como villana calculadora.

👉 Ese choque cultural fue real y documentado en cartas de la época.

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💌 3. La presión por consumar el matrimonio

La tensión en torno a su relación con Luis XVI de Francia está bien capturada. La incapacidad de la pareja para producir un heredero durante años fue un escándalo diplomático. Había rumores constantes, informes médicos y presión internacional.

👉 No era solo chisme de palacio: era un asunto de Estado.

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🌿 4. El refugio en el Petit Trianon

El retiro de la reina al Petit Trianon y su idealización de una vida pastoral sí tienen base histórica. María Antonieta buscó escapar del protocolo construyendo un espacio más íntimo, con jardines y una aldea artificial.

👉 Fue criticada por “jugar a ser campesina” mientras el país sufría.

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🎭 5. El retrato psicológico de una reina frívola… pero humana

La mayor fidelidad no es un evento concreto sino el tono: Sofía Coppola acierta al presentar a María Antonieta como alguien atrapada entre privilegio y aislamiento. Muchas fuentes históricas coinciden en que no fue el monstruo decadente de la propaganda revolucionaria, sino una figura compleja: caprichosa, sí, pero también solitaria y políticamente inexperta.

👉 La película capta bien esa mezcla de glamour y vacío.

El primer tren de vapor.

 

Mira, todo esto de los trenes no empezó como algo romántico ni épico, empezó por pura necesidad práctica: sacar carbón de las minas. En Inglaterra, a finales del siglo XVIII y principios del XIX, las minas producían muchísimo carbón y había que moverlo rápido y barato hasta los puertos o las fábricas. Al principio usaban vagones tirados por caballos sobre raíles de madera o hierro. Era básicamente logística minera mejorada. Nada glamuroso.

Ahí es donde entra Richard Trevithick, que era un tipo bastante atrevido. A principios de 1800 se le ocurrió meter una máquina de vapor de alta presión encima de un vehículo con ruedas y hacerlo correr sobre raíles. En 1804 hizo una prueba en Gales: su locomotora logró arrastrar varias toneladas de hierro y hasta pasajeros curiosos. El problema era que pesaba tanto que rompía los raíles. O sea, la idea funcionaba, pero la infraestructura todavía no estaba lista. Trevithick era brillante, pero no siempre supo convertir sus inventos en negocios sólidos.

Después llegó George Stephenson, que sí tenía más olfato práctico. Él también empezó en el mundo de las minas de carbón. Mejoró el diseño de las locomotoras y, poco a poco, logró que fueran más fiables. En 1825, en la línea Stockton-Darlington, pasó algo histórico: se hizo una demostración pública donde una locomotora arrastró vagones cargados de carbón… y también un vagón con pasajeros. Más de 400 personas se subieron, algunas en un coche adaptado y otras literalmente sentadas en vagones abiertos. Fue como decirle al mundo: “Oigan, esto no es solo para carbón, esto puede mover gente”. Y ahí cambió todo.

Pero claro, no todo el mundo estaba encantado. En el siglo XIX había mucho miedo a la velocidad. Imagínate: personas que nunca habían ido más rápido que un caballo de pronto viajando a 30 o 40 km/h. Algunos médicos y “expertos” decían que el cuerpo humano no estaba hecho para eso. Se hablaba de que tanta velocidad podía provocar trastornos nerviosos, problemas respiratorios e incluso dañar la vista porque el paisaje pasaba demasiado rápido. Había quien pensaba que los ojos no podrían procesarlo y acabarías medio ciego.

Y lo de los soldados es buenísimo (visto desde hoy, claro). Algunos críticos decían que si los militares viajaban en tren en vez de marchar largas distancias, se volverían blandos, menos resistentes, incluso “afeminados” porque no endurecerían el cuerpo con caminatas forzadas. Como si la disciplina dependiera exclusivamente de ampollas en los pies.

También había miedo moral y social: que mezclar clases sociales en un mismo vagón fuera peligroso, que las mujeres viajaran solas, que el humo fuera tóxico… Vamos, cada nueva tecnología importante tiene su club de catastrofistas.

Al final, el tren no dejó ciego a nadie por mirar por la ventana ni convirtió a los soldados en poetas delicados. Lo que hizo fue acelerar la industrialización, cambiar el comercio, acercar ciudades y transformar la manera en que la gente entendía el tiempo y la distancia. Lo que empezó en túneles oscuros llenos de carbón terminó redibujando el mapa del mundo moderno. Y todo porque alguien pensó: “¿Y si en vez de caballos… ponemos vapor?

La relación del hombre medieval con su propio cuerpo.

 

En el scriptorium, la luz de la tarde cae oblicua sobre los pergaminos. Adso observa a su maestro con inquietud mientras este limpia cuidadosamente una lente de aumento.

ADSO: Maestro, me atormenta una cuestión… Vos decís que para comprender nuestro tiempo debemos entender cómo los hombres miran el mundo. Pero ¿cómo miran el cuerpo? Parece que lo temen más de lo que lo aman.

GUILLERMO: (sonríe levemente) Lo temen porque lo aman, Adso. Y lo aman porque lo temen. El cuerpo es el recordatorio constante de nuestra caída. En él se manifiesta el deseo, la enfermedad, la corrupción… y también la belleza de la creación. Esa ambigüedad inquieta a los hombres.

ADSO: ¿Y los leprosos, maestro? Muchos dicen que su carne deshecha es signo visible del pecado invisible.

GUILLERMO: Así lo creen muchos. En la mentalidad común, la lepra no es sólo enfermedad, sino metáfora. Se piensa que la corrupción del alma aflora en la piel, como si Dios hubiera querido escribir con llagas el pecado oculto. Pero recuerda, Adso: la enfermedad no prueba la culpa. Si así fuera, todo enfermo sería un criminal y todo sano un santo. Y sabemos que no es así.

ADSO: Sin embargo, se les expulsa, se les obliga a anunciar su presencia…

GUILLERMO: Porque el miedo es más fuerte que la caridad. El cuerpo enfermo recuerda al sano su fragilidad. Y nada teme más el hombre medieval que aquello que desordena el orden visible querido por Dios.

ADSO: ¿Es por eso también que judíos y prostitutas deben vestir de modo distinto? He visto señales cosidas en sus ropas…

GUILLERMO: Sí. El vestido no es mero abrigo, sino signo. En nuestra época, cada prenda dice quién eres y cuál es tu lugar en la jerarquía del mundo. Al judío se le impone una marca para distinguirlo; a la meretriz, otra para advertir su oficio. Se cree que el orden social debe verse con los ojos, para que nadie cruce los límites asignados.

ADSO: ¿Y si alguien lo hiciera?

GUILLERMO: Entonces no sería simple desobediencia, sino desafío al orden entero. Ponerse una prenda que no corresponde —sea hábito monástico sin vocación, espada sin linaje o velo sin honestidad— se considera usurpación. Y la usurpación exige castigo.

ADSO: Como las mutilaciones… He visto ladrones sin mano, blasfemos sin lengua.

GUILLERMO: El castigo corporal tiene una lógica terrible pero coherente: si el cuerpo fue instrumento del crimen, el cuerpo debe pagar. La justicia medieval escribe en la carne la falta cometida. Así, el delito se vuelve visible, permanente. Se pretende que el cuerpo marcado sea lección para los demás.

ADSO: (dudando) Y… ¿la mujer, maestro? Muchos sermones dicen que su cuerpo es ocasión de pecado.

GUILLERMO: (suspira) Ah, Adso… El cuerpo de la mujer ha sido convertido en símbolo del deseo que desestabiliza al hombre. Desde Eva se la ha visto como puerta por la que entra la tentación. Pero el deseo no reside sólo en ella, sino en la mirada de quien la contempla. Sin embargo, la predicación insiste en que la mujer debe velarse, ocultarse, disciplinarse, para que el varón no caiga.

ADSO: Entonces, ¿el deseo es siempre malo?

GUILLERMO: No. Es fuerza dada por Dios para la continuidad de la vida. Pero la Iglesia enseña que debe ser encauzado dentro del matrimonio, ordenado a la procreación. El placer sin propósito reproductivo se sospecha como rebeldía contra el designio divino. Por eso la reproducción se santifica y el deseo se vigila.

ADSO: Parece que todo en el cuerpo está bajo sospecha…

GUILLERMO: Porque el cuerpo recuerda que somos materia y espíritu al mismo tiempo. Y el hombre medieval desconfía de aquello que no puede dividir con claridad. Ama el alma porque la cree eterna; teme el cuerpo porque sabe que muere… y porque a través de él puede pecar.

Guillermo deja la lente sobre la mesa y mira a Adso con gravedad.

GUILLERMO: Pero no olvides esto, muchacho: el mismo Dios que se hizo carne dignificó el cuerpo. Si lo despreciáramos del todo, despreciaríamos también la Encarnación. Entre la condena y la idolatría del cuerpo, la sabiduría está en comprender su ambigüedad.

ADSO: Entonces, maestro… ¿el cuerpo es prisión o templo?

GUILLERMO: (con una leve sonrisa) Depende de cómo lo habites, Adso. Depende de cómo lo habites.

El Mardi Grass de Nueva Orleans.

 

¿Qué es el Mardi Gras?

“Mardi Gras” es francés para “Martes Gordo” —el día antes del Miércoles de Ceniza—, y forma parte de una temporada de fiesta conocida como Carnaval, que viene desde la Europa medieval cristiana (vinculado a comer de todo antes de la Cuaresma).

En lugares como Nueva Orleans (EE. UU.), este “Martes Gordo” fue adoptado de la tradición francesa cuando los colonos llegaron allá en el siglo XVII. La primera referencia registrada de un Mardi Gras en Luisiana data de 1699.

Con el tiempo la fiesta fue creciendo hasta convertirse en lo que hoy conocemos: desfiles enormes, disfraces, música, baile y miles de personas en las calles celebrando juntos.

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🎉 ¿Cómo empezó la tradición moderna?

Aunque los festejos venían pasando desde hace siglos, la forma moderna de Mardi Gras con desfiles organizados arrancó cuando grupos sociales empezaron a planear carrozas, bailes y rutas de desfile.

🛡️ Krewes: los grupos detrás de la fiesta

• Una krewe es básicamente un club social/carnavalero que organiza bailes, paradas y carrozas durante el Carnaval.

• El Mistick Krewe of Comus, fundado en 1857, fue la primera krewe moderna que organizó un desfile formal en Nueva Orleans.

• Después vinieron más: Rudolph/Proteus/Momus/Rex y otras decenas que hoy en día componen la rica tradición del Mardi Gras neoyorleanés.

Ese esquema de “club secreto que desfila, tira regalos y organiza bailes” se volvió leyenda: cada krewe tiene su estilo, historia y tema anual.

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🎊 Tradiciones clásicas

💜 Colores:
Morado (justicia), verde (fe) y oro (poder). Estos colores fueron elegidos por la Krewe de Rex en 1872 y se volvieron un símbolo de la fiesta.

🍰 King Cake:
Un pastel típico de esta época, decorado en esos colores y con una figurita escondida dentro —quien la encuentre, paga el próximo.

🔥 Flambeaux:
Antorchas que iluminan los desfiles por la noche, originadas en los albores de los festejos modernos.

🎭 Máscaras y disfraces:
Permiten jugar con el anonimato y el desenfreno antes de la temporada de Cuaresma.

🥥 Zulu coconuts y otros throws:
Además de cuentas, hay tradiciones de regalar cocos pintados a mano o souvenirs únicos.

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📿 ¿De dónde viene lo de tirar collares?

La costumbre de tirar cosas a la multitud (los llamados throws) no fue desde siempre parte del Mardi Gras. Según apuntan registros históricos, la idea de lanzar cuentas y regalos empezó con los desfiles en el siglo XIX, y se hizo popular con la Krewe of Rex en 1872 (atando los collares a la tradición de los colores).

Antes de eso, los objetos que se lanzaban eran menos “industrializados”: regalos simples, trozos de pastel, o pequeños tokens. Ahora, con carros gigantes y rutas largas, se ha convertido en algo enorme y muy esperado por los asistentes.

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🌍 El lado no tan bonito: impacto ambiental

Aquí empieza el tema serio. 🤨

🧵 ¿Por qué es un problema?

La tradición moderna de tirar collares de plástico (los típicos collares de cuentas brillantes) ha tenido consecuencias negativas serias para el medio ambiente:

📌 Montones de residuos: Cada temporada de Carnaval, Nueva Orleans acumula una montaña de basura (incluidos collares, vasos y adornos). En 2022, se estimó que más de 1 150 toneladas de basura se llevaron a vertederos en solo 11 días de celebraciones.

📌 Colisión con infraestructura: En 2018, se encontró 93 000 libras (~42 000 kg) de collares obstruyendo solo cinco manzanas de drenaje.

📌 Plástico que no se descompone: Las cuentas de plástico son de plástico petroquímico —es decir, tardan siglos en degradarse y se convierten en microplásticos que pueden llegar al agua, suelos y vida silvestre.

📌 Tóxicos y salud: Investigaciones han encontrado que estas cuentas pueden contener metales pesados y flame retardants peligrosos, lo que significa que si las tocan niños o se descomponen en el ambiente, pueden afectar la salud.

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🌱 ¿Se está haciendo algo al respecto?

Sí —y eso está guay:

✨ Alternativas sostenibles:
Algunas krewes están optando por throws biodegradables o reciclables, y otros grupos hacen collares de papel reciclado o incluso objetos útiles (como mini kits de jardinería).

✨ Programas de reciclaje:
Hay iniciativas donde voluntarios caminan por las rutas recolectando basura y collares para reciclar.

✨ Organizaciones locales:
Algunas organizaciones recogen los collares después de los desfiles y los venden o reutilizan el año siguiente, reduciendo residuos.

Pero aún es un reto grande porque la cultura de “cuanto más y más collares, mejor” todavía pesa mucho en la tradición popular.

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🧠 En resumen, en plan coloquial

Mardi Gras es ante todo una gran fiesta global con raíces religiosas y europeas antiguas. En Nueva Orleans se convirtió en un carnaval enorme gracias a las krewes, que organizan paradas, bailes y lanzan regalos a la gente. Tirar collares coloridos es parte del encanto (y de la adrenalina de la multitud), pero resulta que esos collares de plástico hacen un montón de desastre en la ciudad y el medio ambiente si no se gestionan bien. Las alternativas ecológicas están creciendo, pero todavía queda camino por recorrer para que la tradición no cueste tanto a la tierra. 🌍💜💚💛

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¿Quieres que te dé también ejemplos de krewes famosas o cuándo cae Mardi Gras en 2026 y cómo se celebra exactamente ese día? (Puedo profundizar en eso)

La Krewe of Zulu es una de las agrupaciones más míticas y con más personalidad del Mardi Gras de Nueva Orleans. No es solo un desfile más: es historia viva, humor, crítica social y orgullo afroamericano todo mezclado en una fiesta enorme. Nació en 1909, cuando un grupo de trabajadores afroamericanos decidió montar su propio carnaval porque, en aquella época, muchas krewes tradicionales eran exclusivas para blancos. Así que los Zulu dijeron básicamente: pues hacemos el nuestro, a nuestra manera.

El nombre viene de una obra teatral llamada There Never Was and Never Will Be a King Like Me, inspirada en estereotipos africanos que hoy pueden resultar incómodos, y de hecho la krewe ha tenido que evolucionar mucho con el tiempo. Al principio usaban disfraces exagerados, faldas de hierba y maquillaje oscuro, en un tono claramente satírico. Con los años, Zulu fue dejando atrás lo más ofensivo y convirtiendo el desfile en una celebración de la identidad, la resistencia y la creatividad negra en Nueva Orleans.

Una de las cosas que más la hace famosa son sus cocos decorados a mano. En lugar de solo tirar collares de cuentas, los miembros de Zulu lanzan cocos pintados, tallados y firmados, que hoy son auténticos objetos de colección. Pillar uno es como ganarte la lotería del Mardi Gras. Antes incluso los tiraban al público sin más, pero ahora los entregan con más cuidado porque, claro, un coco volando puede ser peligroso 😅.

El desfile de Zulu suele celebrarse el mismo día de Mardi Gras por la mañana, y eso también es simbólico: es de los primeros grandes desfiles del día, como diciendo “aquí estamos”. Además, el “Rey Zulu” es una figura importantísima, y ser elegido es un honor enorme dentro de la comunidad. No es solo alguien disfrazado: representa liderazgo, respeto y compromiso con la ciudad.

Zulu también ha tenido momentos difíciles. Durante décadas fue menospreciada por sectores más “tradicionales” del carnaval, y tras el huracán Katrina incluso se plantearon no desfilar porque la ciudad estaba destrozada. Pero al final salieron igual, como un gesto de resistencia y esperanza, y ese desfile se recuerda como uno de los más emotivos de la historia reciente de Nueva Orleans.

Hoy en día, la Krewe of Zulu es vista como una institución cultural, no solo una fiesta. Mantiene tradiciones, apoya causas comunitarias y recuerda que el Mardi Gras no es solo brillo y alcohol, sino también historia, lucha y orgullo. Es ruidosa, divertida, irónica y profundamente neoorleanesa. Si entiendes a Zulu, entiendes una parte muy importante del alma de la ciudad.

Los aviones supersónicos Concorde.

 

 

El Concorde: información general

El Concorde fue un avión de pasajeros supersónico desarrollado conjuntamente por Francia (Aérospatiale) y Reino Unido (British Aircraft Corporation). Voló comercialmente entre 1976 y 2003, operado únicamente por Air France y British Airways. Fue el único avión supersónico de pasajeros que alcanzó un uso comercial regular.

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📊 Ficha técnica del Concorde

• Velocidad máxima: Mach 2,04 (≈ 2.180 km/h)

• Altitud de crucero: ~18.000 metros

• Autonomía: ~6.500 km

• Capacidad: 92–128 pasajeros (configuración habitual: ~100)

• Longitud: 61,7 m

• Envergadura: 25,6 m

• Motores: 4 × Rolls-Royce/Snecma Olympus 593 (turborreactores con postcombustión)

• Tiempo de vuelo París–Nueva York: ~3 h 30 min

• Consumo de combustible: Muy elevado (varias veces superior al de un avión subsónico por pasajero)

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🚀 Razones de su puesta en marcha

El Concorde nació en los años 60, en pleno contexto de Guerra Fría y de fuerte competencia tecnológica.

Motivaciones principales:

1. Prestigio tecnológico y político: demostrar liderazgo europeo frente a EE. UU. y la URSS.

2. Reducción drástica de tiempos de viaje en rutas transatlánticas.

3. Innovación aeronáutica: desarrollo de nuevas soluciones en aerodinámica, materiales y motores.

4. Mercado de élite: orientado a empresarios, diplomáticos y clientes de alto poder adquisitivo.

Más que un proyecto rentable, fue un símbolo de avance tecnológico.

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⚠️ Inconvenientes para los pasajeros

Aunque era espectacular, no estaba exento de desventajas:

• ✋ Precio muy alto del billete (varias veces superior a clase ejecutiva).

• 🔊 Ruido interior elevado, especialmente durante despegue y aceleración supersónica.

• 🪑 Cabina estrecha: menos espacio que en aviones convencionales.

• 🧳 Limitación de equipaje.

• 🌡️ Calentamiento del fuselaje: el avión se alargaba varios centímetros en vuelo debido a la fricción.

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🌍 Impacto ambiental

El Concorde fue muy criticado desde el punto de vista ecológico:

• 🌪️ Altísimo consumo de combustible por pasajero.

• 💨 Emisiones de NOx a gran altitud, potencialmente dañinas para la capa de ozono.

• 🔊 Boom sónico: explosión sonora al romper la barrera del sonido, que impedía vuelos supersónicos sobre tierra.

• 🏙️ Ruido extremo en despegues y aterrizajes, especialmente problemático cerca de aeropuertos.

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💥 El siniestro aéreo de 2000 (Vuelo Air France 4590)

📅 Fecha y lugar

• 25 de julio de 2000

• Aeropuerto Charles de Gaulle (París)

• Destino: Nueva York

🔍 Qué ocurrió

1. Un DC-10 que había despegado antes perdió una tira metálica en la pista.

2. Durante la carrera de despegue, el Concorde pisó la pieza metálica.

3. Un neumático reventó, y fragmentos perforaron un depósito de combustible.

4. El combustible se incendió, provocando fuego en el ala.

5. El avión perdió potencia y se estrelló poco después del despegue.

⚰️ Víctimas

• 109 personas a bordo

• 4 personas en tierra

• Total: 113 fallecidos

🧠 Consecuencias

• Suspensión inmediata de los vuelos del Concorde.

• Modificaciones técnicas (depósitos reforzados, neumáticos más resistentes).

• Pérdida de confianza del público.

• Sumado a los altos costes y al descenso del tráfico aéreo tras el 11-S, llevó a su retirada definitiva en 2003.

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El fracaso de la colonización de Groenlandia por parte de los vikingos.

 La llegada de los vikingos a Groenlandia se sitúa hacia finales del siglo X, en el contexto de la expansión nórdica por el Atlántico Norte. Según las sagas islandesas, Erik el Rojo llegó a la isla alrededor del año 982 tras ser desterrado de Islandia y promovió su colonización unos años después, destacando sus tierras “verdes” para atraer pobladores. Aunque el nombre era claramente optimista, el sur y suroeste de Groenlandia ofrecían fiordos relativamente templados, pastos estacionales y acceso al mar, suficientes para sostener comunidades agrícolas y ganaderas al estilo escandinavo.

Los asentamientos vikingos se concentraron casi exclusivamente en el extremo suroccidental de la isla. Hubo dos núcleos principales: el Asentamiento Oriental (Eystribyggð), que en realidad era el más grande y se situaba cerca del actual Qaqortoq, y el Asentamiento Occidental (Vestribyggð), más pequeño, en la zona próxima al fiordo de Nuuk. No eran ciudades, sino una red de granjas dispersas, organizadas alrededor de iglesias, granjas principales y algunos centros de poder local. En su apogeo, la población total probablemente osciló entre 2.000 y 3.000 personas, una sociedad pequeña pero bien integrada en el mundo nórdico.

La economía groenlandesa vikinga se basaba en una combinación de ganadería, caza y comercio. Criaban principalmente ganado vacuno, ovino y caprino, aprovechando los pastos estivales, y almacenaban heno para sobrevivir a los largos inviernos. La caza era esencial, sobre todo de focas, que proporcionaban carne, grasa y pieles, y también de caribúes y aves marinas. Sin embargo, Groenlandia era valiosa sobre todo como punto de extracción de productos de lujo muy demandados en Europa medieval, especialmente el marfil de morsa, además de pieles y cuerdas hechas con piel de foca. A cambio, los groenlandeses dependían del comercio con Islandia y Noruega para obtener hierro, madera, cereales y otros bienes imposibles de producir localmente.

La desaparición de estas comunidades a comienzos del siglo XV no se debió a una única causa, sino a una combinación de factores que se reforzaron mutuamente. El clima desempeñó un papel clave. A partir del siglo XIII comenzó un enfriamiento progresivo conocido como el inicio de la Pequeña Edad de Hielo. Los inviernos se hicieron más largos y duros, los veranos más cortos y menos fiables, lo que redujo la producción de heno y aumentó la mortalidad del ganado. El hielo marino dificultó la navegación y aisló aún más a Groenlandia del comercio europeo, justo cuando el marfil de morsa perdía valor frente al marfil africano, más accesible y de mejor calidad. A esto se sumaron problemas sociales y económicos, como la rigidez cultural de los colonos, que mantuvieron durante siglos un modelo agrícola europeo poco adaptado al Ártico, en contraste con los inuit, mejor preparados para ese entorno. El resultado fue un lento declive: granjas abandonadas, contactos comerciales cada vez más escasos y, finalmente, el silencio de las fuentes escritas. Cuando los europeos regresaron siglos después, los asentamientos vikingos ya habían desaparecido, dejando tras de sí ruinas, iglesias de piedra y una historia profundamente ligada al clima y a los límites de la adaptación humana a la tundra ártica.