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miércoles, 31 de diciembre de 2025

MASTER AND COMANDER, de Peter Weir.

 


Master and Commander: The Far Side of the World (Peter Weir, 2003) es una de las recreaciones cinematográficas más serias y respetuosas del mundo naval napoleónico, pero, como toda obra de ficción histórica, presenta agujeros de guion, licencias naturalistas y simplificaciones geopolíticas, especialmente si se la observa con lupa en el contexto de 1804–1805, cuando Europa estaba inmersa en la fase más tensa de las guerras napoleónicas.

Contexto histórico general (1804)

En 1804 Napoleón Bonaparte se proclama Emperador de los franceses, y Gran Bretaña se encuentra prácticamente sola frente a Francia tras la breve paz de Amiens (1802–1803). La Royal Navy es el instrumento clave del poder británico: controla rutas comerciales, bloquea puertos franceses y persigue corsarios. El mundo marítimo que muestra la película —aislado, brutal, jerárquico y obsesionado con el honor— es históricamente verosímil, aunque condensado para fines narrativos.


Agujeros y licencias históricas

Uno de los elementos más discutidos es la ambigüedad temporal y espacial. La película nunca fija con precisión el año, pero el tipo de guerra, los uniformes y el estado de la marina británica apuntan claramente a 1805. Sin embargo, el antagonista, el Acheron, es presentado como un buque francés de diseño casi “protoindustrial”, más rápido y tecnológicamente avanzado que cualquier navío británico. En la realidad, la marina francesa no tenía una ventaja tecnológica clara sobre la Royal Navy en ese momento; de hecho, sufría problemas crónicos de tripulación, financiación y entrenamiento. El Acheron funciona más como un villano narrativo que como una representación fiel del poder naval francés.

Otro punto problemático es la duración y el alcance de la persecución. El HMS Surprise persigue al Acheron desde el Atlántico hasta el cabo de Hornos y el Pacífico sin apenas apoyo logístico, algo extremadamente difícil en la realidad. Los navíos de la época dependían de puertos aliados, reabastecimiento constante y comunicaciones lentísimas. La película comprime meses —o incluso más de un año— de navegación en una sensación de continuidad casi inmediata.

También hay una idealización del control absoluto del capitán. Aunque Jack Aubrey está inspirado en oficiales reales (especialmente en Thomas Cochrane), su capacidad para mantener disciplina, moral y eficacia durante una misión tan prolongada roza lo inverosímil. En la práctica, las tripulaciones sufrían motines, enfermedades, deserciones y tensiones sociales mucho más graves de lo que el film sugiere.


Naturalismo y ciencia: precisión y concesiones

El tratamiento del naturalismo —especialmente a través del personaje de Stephen Maturin— es uno de los aspectos más cuidados, pero no está exento de licencias. La expedición a las islas Galápagos, por ejemplo, es anacrónica en términos de relevancia científica: en 1804 aún no existía el marco teórico que daría sentido a esas observaciones (Darwin llegará décadas después). Maturin representa una ciencia adelantada a su tiempo, más cercana al naturalismo ilustrado tardío que a la práctica común de los cirujanos navales.

La famosa escena de las tortugas gigantes y la fascinación por la biodiversidad es históricamente plausible, pero su peso simbólico está claramente amplificado para contraponer ciencia y guerra, razón y violencia. En la realidad, un capitán británico difícilmente habría tolerado una interrupción prolongada de una misión militar crítica por motivos científicos.


Geopolítica: simplificación y sesgo británico

Desde el punto de vista geopolítico, la película presenta una visión muy anglocéntrica del conflicto. Francia aparece casi exclusivamente como una amenaza abstracta, sin rostro político ni motivaciones estratégicas claras. No se menciona el contexto continental: la Tercera Coalición, las guerras en Europa Central, ni la tensión previa a Trafalgar. El conflicto se reduce a una caza personal en alta mar, lo que refuerza el tono de aventura clásica pero empobrece la comprensión histórica.

Además, se omite el papel de España, aliada de Francia desde 1804, a pesar de que gran parte de las operaciones navales británicas se centraban precisamente en debilitar esa alianza. La ausencia española es una simplificación narrativa notable.


El mayor “agujero”: el final

El giro final —cuando Aubrey descubre que el capitán francés ha sobrevivido disfrazado de médico— es eficaz cinematográficamente, pero plantea problemas de credibilidad histórica. La facilidad del engaño, el desconocimiento prolongado del capitán enemigo y la rápida reanudación de la persecución ignoran las estrictas normas de identificación, prisioneros y control sanitario de la época.


Conclusión

Master and Commander no es una película históricamente falsa, pero sí selectivamente verosímil. Peter Weir sacrifica precisión logística, complejidad geopolítica y rigor cronológico en favor de una experiencia inmersiva que transmite muy bien el espíritu del mundo naval británico de principios del siglo XIX. Sus “agujeros” no son errores por ignorancia, sino decisiones conscientes para construir un relato épico, casi mitológico, sobre el deber, la ciencia y el imperio en el umbral de la modernidad.

Si quieres, puedo profundizar solo en los errores navales técnicos, o comparar la película con las novelas de Patrick O’Brian y señalar qué cambios introdujo el guion.

Creo que Valparaíso, dónde envían la Acheron, es un puerto bajo control español. Es imposible que mandasen la Acheron capturada allí porque equivaldría a devolver a los franceses un arma de alta tecnología,

Tu observación es muy acertada, y aquí sí entramos en uno de los agujeros geopolíticos más serios de Master and Commander.

En 1804–1805, Valparaíso era un puerto del Imperio español, dependiente del Virreinato del Perú. Y, además, España no era neutral de facto: tras el tratado de San Ildefonso, España era aliada de Francia. Así que, efectivamente, enviar la Acheron capturada a Valparaíso sería estratégicamente absurdo para la Royal Navy.

Históricamente, eso equivaldría a:

  • Entregar un buque enemigo intacto a un aliado directo de Francia.

  • Permitir que oficiales franceses recuperaran la nave.

  • Facilitar el estudio de una supuesta “ventaja tecnológica” por parte del bloque franco-español.
    En términos militares del siglo XIX, sería casi traición por negligencia.

¿Qué habría sido lo correcto históricamente?

Un buque francés capturado debía:

  • Ser enviado a un puerto británico (Cádiz no, por razones obvias).

  • O, si eso no era viable, a un puerto aliado fiable (por ejemplo, puertos portugueses).

  • O ser desmantelado, quemado o hundido tras retirar artillería y documentos.

La Royal Navy era obsesiva con esto. Los “prize ships” eran botines valiosos, pero solo si podían asegurarse. En el Pacífico, donde Gran Bretaña tenía presencia mínima, capturar una nave enemiga solía implicar destruirla, no escoltarla a un puerto hostil.

¿Por qué la película toma esa decisión?

Aquí entra la lógica narrativa por encima de la histórica. Valparaíso se presenta como:

  • Un puerto “civilizado” y reconocible.

  • Un lugar dramáticamente útil para cerrar la caza.

  • Un espacio que permite la ilusión de neutralidad, aunque no lo fuera en absoluto.

La película suaviza deliberadamente la realidad del imperio español en América, presentándolo como un telón de fondo casi invisible. En la práctica, los británicos veían esos puertos como territorio enemigo potencial.

Matiz importante

El Pacífico era una zona gris. Existía contrabando, corrupción, tolerancia interesada de autoridades coloniales… pero eso no aplica a un navío de guerra capturado. Una cosa era comerciar en la sombra; otra muy distinta introducir un buque militar francés intacto en un puerto español.

Conclusión

Tienes razón: es uno de los mayores fallos geopolíticos del film. La Acheron jamás habría sido enviada a Valparaíso bajo control español sin provocar un incidente diplomático inmediato o, directamente, la recuperación del buque por fuerzas franco-españolas. Es un ejemplo claro de cómo Master and Commander prioriza el cierre dramático sobre la coherencia estratégica real.

Si quieres, puedo reconstruir qué habría pasado en la realidad con una captura así en el Pacífico, o señalar otros momentos donde España “desaparece” del mapa en la película cuando históricamente era clave.

Creo que en el filme un suboficial no se adapta a la vida en el mar y se suicida. ¿Qué haría un oficial comandante de la Royal Marine en esa situación en 1804?

Sí, lo recuerdas bien. En Master and Commander el marinero/suboficial Hollom (no es Royal Marine, sino oficial menor de la Marina, un midshipman tardío o mate frustrado) se suicida arrojándose al mar. Y lo interesante es que la película, aunque sobria, suaviza bastante lo que habría ocurrido en 1804.

Vamos a la realidad histórica.

En 1804, dentro de la Royal Navy (y también entre los Royal Marines embarcados), el suicidio no se entendía como un problema psicológico, sino como una falta moral, religiosa y disciplinaria.


La respuesta inmediata del mando

Un capitán (o el comandante del destacamento de Royal Marines, si el fallecido lo fuera) habría actuado con frialdad reglamentaria:

  • No se consideraba una “muerte honorable”.

  • El cuerpo, si se recuperaba, no recibía funeral naval con honores.

  • El suicida era registrado oficialmente como muerto “por su propia mano”, lo cual tenía consecuencias administrativas.

En muchos casos, si el cadáver no se recuperaba (como en el filme), se hacía una declaración formal ante el oficial de guardia y el cirujano del barco.


Consecuencias disciplinarias y simbólicas

Aquí la película es claramente benévola.

Históricamente:

  • El suicida podía ser considerado culpable post mortem de cobardía o deserción moral.

  • Sus pertenencias podían ser confiscadas.

  • A la familia se le podía negar la paga pendiente o compensación.

  • El nombre del fallecido se eliminaba del libro de tripulación sin elogios.

En tierra, el suicidio era delito civil; en el mar, era un escándalo disciplinario.


El papel de los Royal Marines

Si el fallecido hubiera sido un Royal Marine (un infante de marina, no el caso del filme), la reacción habría sido incluso más dura:

  • El comandante del destacamento habría informado al capitán.

  • El hecho se habría tratado como una falla de disciplina militar, no como tragedia personal.

  • Se habría reforzado la vigilancia del resto del destacamento para evitar “contagio moral”.

Los Marines estaban ahí, precisamente, para mantener el orden y prevenir motines. Un suicidio era visto como síntoma peligroso de debilidad colectiva.


¿Y el capitán Aubrey?

Aquí es donde Weir se separa conscientemente de 1804.

Aubrey muestra:

  • Silencio respetuoso.

  • Una suerte de duelo tácito.

  • Ningún castigo simbólico adicional.

En la realidad, un capitán eficaz habría:

  • Pronunciado una amonestación pública recordando el deber, el honor y la obediencia.

  • Reforzado la disciplina inmediatamente después.

  • Evitado cualquier ritual que pudiera interpretarse como compasión pública.

Mostrar empatía abierta habría sido visto como peligroso para la autoridad.


¿Por qué la película cambia esto?

Porque Master and Commander mira el siglo XIX con sensibilidad del siglo XXI. El suicidio se presenta como resultado del aislamiento, la superstición y la presión social, no como pecado o delito.

Eso hace al filme más humano… pero menos fiel a la mentalidad de 1804.


Conclusión

En 1804, un comandante de la Royal Navy o de los Royal Marines no habría “acompañado” emocionalmente el suicidio. Lo habría tratado como una falta grave que debía cerrarse rápido, sin honra, sin ritual y con refuerzo inmediato de la disciplina. La película opta por la compasión silenciosa para no romper la empatía del espectador moderno, aun a costa de traicionar la dureza moral de la época.

En Master and Commander, el marinero Joe Plaice agrede a Hollom y provoca un altercado abierto, motivado por superstición, duelo personal y resentimiento. Dramáticamente funciona. Históricamente, eso roza —y cruza— la línea del motín, aunque sea individual.

Y el motín era la pesadilla absoluta de la Royal Navy.


Cómo se habría interpretado el hecho en 1804

Un oficial comandante real no habría visto el episodio como:

  • una explosión emocional,

  • ni un conflicto personal,

  • ni un problema psicológico.

Lo habría clasificado como:
insubordinación violenta con riesgo de motín, agravada por superstición colectiva.

Después de Spithead y el Nore (1797), la Marina británica estaba hipersensibilizada. Cualquier desafío público a la autoridad o al orden jerárquico se reprimía con rapidez y ejemplaridad.


Respuesta inmediata del mando

En el mundo real, el procedimiento habría sido más o menos así:

El marinero sería:

  • Reducido de inmediato, normalmente por los Royal Marines armados.

  • Encadenado o puesto en grilletes (irons) en la bodega.

  • Separado del resto de la tripulación para evitar simpatías o contagio emocional.

El capitán no habría tolerado el discurso supersticioso como explicación. La superstición se consideraba peligrosa porque socavaba la autoridad racional del mando.


Consejo de guerra a bordo

Muy probablemente se habría celebrado un court martial sumario (o, al menos, una audiencia disciplinaria):

  • Agredir a un compañero.

  • Alterar el orden.

  • Señalar a un oficial o suboficial como “maldito”.

  • Poner en peligro la cohesión de la tripulación.

Todo eso podía encajar bajo los Articles of War como conducta sediciosa.


Castigos posibles (y realistas)

Aquí la película se queda corta.

En la realidad, el castigo habría sido uno de estos (o una combinación):

  • Azotes públicos (flogging round the fleet en casos graves).

  • Reducción de ración o salario.

  • Prisión en puerto al llegar a tierra.

  • En el peor de los casos, pena de muerte, si se consideraba incitación al motín (no automática, pero sí posible).

Incluso sin llegar a ese extremo, un castigo ejemplar era casi seguro. La clemencia pública era peligrosa.


El papel de los Royal Marines

Los Marines no eran decorativos.

  • Habrían intervenido físicamente.

  • Su presencia armada servía como recordatorio de que el capitán tenía fuerza letal legítima a bordo.

  • Tras el incidente, se reforzaba la guardia y la vigilancia nocturna.

Un marinero que hablaba de “maleficios” podía convertirse en chispa de motín, y eso se cortaba de raíz.


Qué hace Aubrey en la película (y por qué es irrealista)

Aubrey:

  • Escucha.

  • Canaliza el conflicto.

  • Apela al honor colectivo.

  • No aplica castigo inmediato.

Eso es muy poco 1804.

Un capitán real habría pensado:

“Si no castigo esto ahora, mañana lo hará media tripulación.”

La película opta por un liderazgo moderno y carismático, casi terapéutico, que habría sido visto entonces como blando y arriesgado.


Conclusión

En la Armada británica real de comienzos del siglo XIX, un marinero que se amotinaba —aunque fuera solo, aunque fuera por dolor o superstición— habría sido castigado con dureza y rapidez. No por crueldad gratuita, sino porque el sistema naval se sostenía sobre una idea muy clara:
la autoridad del capitán no se discute, se obedece.

Weir elige mostrarnos cómo nos gustaría que actuaran los líderes; la historia nos recuerda cómo tenían que actuar para que un navío de guerra no se convirtiera en una tumba flotante.

Si quieres, puedo comparar esta escena con motines reales documentados o explicar por qué la superstición era tan temida en los barcos de la época.

¿Por qué la superstición era tan temida en los buques de guerra de principios del siglo XIX?

Porque en un buque de guerra de principios del siglo XIX la superstición no era una rareza folclórica: era un riesgo estructural. No se temía por ignorancia, sino porque amenazaba directamente los tres pilares que mantenían el barco a flote: autoridad, cohesión y previsibilidad.

Voy por partes.


El barco como micro-sociedad cerrada

Un navío de línea o una fragata eran mundos sellados durante meses o años.
Cientos de hombres:

  • hacinados,

  • mal alimentados,

  • expuestos a enfermedad, castigo corporal y muerte súbita,

  • sin escapatoria posible.

En ese contexto, la explicación racional de los oficiales (viento, disciplina, órdenes) competía con explicaciones mágicas simples. Y lo mágico tenía una ventaja: daba sentido emocional inmediato al sufrimiento.

Cuando algo iba mal, la pregunta no era “¿qué error técnico cometimos?”, sino:

“¿Quién ha traído la mala suerte?”

Ese “quién” era dinamita social.


La superstición personaliza el desastre

La superstición no dice “el mar es peligroso”; dice:

  • este hombre está maldito,

  • este oficial trae desgracia,

  • este barco está condenado.

Eso convierte el azar en culpa humana.
Y cuando la culpa se encarna en una persona concreta (como Hollom), el siguiente paso lógico es expulsarla o eliminarla.

Desde la óptica del mando, eso es un embrión de motín.


Rival directo de la autoridad del capitán

El capitán necesitaba que la tripulación creyera una cosa por encima de todas:

“El capitán controla el destino del barco.”

La superstición introduce una autoridad paralela:

  • amuletos,

  • presagios,

  • “hombres de mal fario”,

  • señales que el capitán no puede controlar.

Si la tripulación cree más en un augurio que en una orden, la cadena de mando se rompe.
Por eso los oficiales combatían la superstición no por racionalismo ilustrado, sino por supervivencia institucional.


Memoria traumática de los motines

Los grandes motines de Spithead y el Nore (1797) estaban todavía muy presentes en 1804. Aunque sus causas fueron económicas y políticas, dejaron una lección clara:

la moral colectiva puede cambiar de estado en cuestión de horas.

La superstición era vista como un acelerador emocional:
miedo → rumor → identificación de un culpable → desafío a la autoridad.

Un capitán que toleraba supersticiones parecía débil o desconectado, lo que aumentaba el riesgo de insubordinación.


Religión sí, superstición no (y por qué)

Curiosamente, la religión sí era aceptada.

¿Por qué?

  • Porque la religión oficial reforzaba el orden: obediencia, sacrificio, providencia.

  • Porque el capellán no competía con el capitán.

La superstición, en cambio, era anárquica: no tenía jerarquía ni doctrina fija.
Hoy rezaban por buen viento; mañana acusaban a un compañero.


El miedo al “contagio”

Los oficiales hablaban del miedo como de una enfermedad.
Un marinero supersticioso no era peligroso solo por sí mismo, sino porque:

  • verbalizaba temores difusos,

  • daba palabras a la angustia colectiva,

  • legitimaba el pánico.

Por eso la represión era rápida y visible:
no para castigar al individuo, sino para inmunizar al grupo.


Lo que la película entiende… y suaviza

Master and Commander acierta al mostrar que la superstición nace del dolor, la soledad y la pérdida.
Pero suaviza su efecto sistémico.

En la realidad, un capitán pensaba:

“No estoy luchando contra la superstición; estoy luchando contra el colapso del orden.”


En resumen

La superstición era temida porque:

  • personalizaba la desgracia,

  • creaba autoridades alternativas,

  • erosionaba la confianza en el mando,

  • y podía convertir el miedo en violencia colectiva.

No era un problema cultural; era un problema de seguridad.

Si quieres, puedo explicar qué supersticiones concretas eran comunes en la Royal Navy, o cómo los capitanes “inteligentes” las usaban a su favor sin permitir que se desbordaran.

martes, 13 de diciembre de 2022

Aclaraciones históricas sobre la saga de LA MOMIA (primeras dos películas).


 1) En esta saga mezclan los acontecimientos históricos del Antiguo Egipto y hacen que coincidan en el tiempo personajes históricos que jamás se conocieron. Setí I es un faraón de la XIX Dinastía que es asesinado por Inhotep, un sumo sacerdote de la IV Dinastía por amor a la princesa Anjesenamón, que es de la XVIII Dinastía.

Seti no murió asesinado sino que asoció al trono a su hijo, el principe Ramsés II, para asegurarse una sucesión sin intrigas políticas. Su momia se conserva en el Museo Egipcio de El Cairo.

Inhotep era lo más parecido a Leonardo Da Vinci que había en 2600 a de C (IV Dinastía). Es el arquitecto de la primera pirámide funeraria, la de Saqara, levantada por orden del faraón Dzoser.

Anjesenamón fue hija y esposa de Akhenatón, el faraón hereje del siglo XIV a de C. Se casó en segundas nupcias con su hermanastro Tutankhamón. No se sabe que conspirase contra su padre, con el que tuvo cinco hijas que no llegaron a nacer.

2) Egipto era un protectorado británico desde 1919. ¿Que hace la Legión Extranjera Francesa interviniendo militarmente allí? Además Rick, el protagonista, dice que han llegado desde Libia, que es una colonia italiana dirigida por Mussolini. No tendrían que haber ido más allá de Argelia.

3) En la segunda película aparece una especie de dirigible a reacción, pero su vela es demasiado pequeña para soportar lo que parce una pequeña embarcación volante. Los motores a reacción aparecieron en 1944, en los laboratorios aeronauticos nazis como armas secretas. Nadie los tenía en 1922.

También aparece un piloto superviviente de la Primera Guerra Mundial con neurosis de guerra que solo desea morir en su aparato. Teniendo en cuenta que el 60 por ciento de los pilotos, tanto aliados como de las Potencias Centrales, murieron en combate, tendría que considerarse afortunado de haber sobrevivido.


4) Los mejdays existieron aunque no de la forma en que aparcen en la primera película. Eran unos mercenarios nubios que protegían a los faraones y sus templos. De hecho patrullaban por los mercados con babuinos para poder atrapar a los rateros. Eran policías a las órdenes del faraón. No se tatiaban en la cara la palabras INFRAMUNDO.


5) Anjesenamon va medio desnuda, vestida solo con un taparrabos, con los pechos al aire. Esta desnudez es correcta. Lo que no sé si es correcto es que use pintura corporal para que el faraón pueda enterarse de si un usurpador ha tocado su cuerpo. Tampoco que pelee con una daga oriental llamada sais, que es de Japón y China.

6) Se evisceraba los cuerpos que iban a ser momificados es es correcto. las entrañas se introducían en unas vasijas especiales llamadas los vasos canopes. Eran cuatro, no cinco, como aparecen en la primera película.

El corazón no se desechaba pero si el cerebro que los médicos y curanderos egipcios consideraban una víscera sin mayor interés. Creían que el hombre pensaba con el corazón. Además tenías que llevar tu corazón ante Osiris que lo pesaba en una balanza frente a la pluma de la Verdad para dilucidar si merecías la vida eterna.

Si no, se te comía el monstruo Annuit, con cuartos traseros de león, cuerpo de hipopotamo y rostro de cocodrilo. Ya no existías más.

7) Las pirámides están en Gizeh, cerca de El Cairo. Para nada se podían ver desde Tebas en tiempos de Seti I.

8) La gente, además de ir medio desnuda en el Antiguo Egipto, sobre todo para trabajar, se rapaba el pelo, tanto ellas como ellos, por higiene. Por eso vemos tanta gente calva en las dos películas de las que nos ocupamos. Se cubrían el cráneo con pelucas.

PARA VER:

https://www.youtube.com/watch?v=CT6yWV9e4Ig

sábado, 3 de diciembre de 2022

EL CUARTO PASAJERO, de Alex de la Iglesia.

 


Esta película de carretera se iba a llamar BLABlACAR, en homenaje a la aplicación de Internet donde los usuarios comparten coches particulares a cambio de ayudar al conductor a pagar los gastos del trayecto.

Julián, el conductor, un hombre de 50 años divorciado y sin empleo, está enamorado de Lorena, una joves de 30 escasos. Viajan juntos de Bilbao a Madrid todas las semanas a fin de que la muchacha pueda pasar el  fin de semana con sus padres. Julian quiere declararse durante el viaje, pero es que en esta ocasión también le acompañas Rodrigo, un cargante bohemio metido en negocios turbios, cuyas consecuencias y naturaleza se harán notar durante el viaje. Y Sergio, un joven de la misma edad por el que Julian no tarda en sentir celos.

Rodrigo lleva a sus compañeros de viaje a una serie de situaciones extremas como una pelea multitudinaria en la tienda de una gasolinera a cuenta de pagar o no una bolsa de patatas fritas, a encuentros con la Guardia Civil y con un narcotraficante al que Rodrigo tampoco paga su mordida, y a una persecución en medio de un atasco cuando se descubra la verdadera ocupación de este verdadero "cuñao" que es él.

PARA VER:

https://www.youtube.com/watch?v=6hAN_veIi6E

sábado, 28 de mayo de 2022

El día de la Bestia. (1995)


 A los occidentales nos gusta pasar miedo. Queremos que el mundo tenga lógica, aunque no sea precisamente la nuestra, y que haya alguien moviendo los hilos, dando una explicación racional dentro de un contexto a todo lo que sentimos y sucede en general. Esta película de Alex de la Iglesia parte de eas emociones.

En 1995 quedaban cinco años para que se acabase el segundo milenio después de Cristo. La gente practicamente exigía que el mundo se acabase a continuación, no por el papel que pudieran tener en todo aquello y sus implicaciones, sino porque la lógica les decía que las cosas debían tener un final. De la Iglesia explotó esto en esta comedia de terror.

Ángel de Berriatua ( Alex Angulo) es un sacerdote del Santuario de Aranzazu, estudioso del Apocalipsis de San Juan. Ha determinado, tras años de estudio, que el Anticristo nacerá en un lugar indeterminado de Madrid el 25 de diciembre de 1995. Con la ayuda entusiasta del heavy José María (Santiago Segura) y del experto en lo paranormal y saco de las hostias a lo largo de la película Profesor Cavan ( Armando de Razza) se enfrentan a la madre de José María (Terele Pavez), a un grupo de ultras violentos que matan gente al grito de Limpia Madrid y al Anticristo en una trepidante lucha final en la Puerta de Europa.


El Madrid de los 90 es el protagonista de esta película con escenas en la Puerta de Europa y el edificio Carrión, ubicado en la Calle Colón. Es la sensación de que el optimismo de la década se podía acabar de una forma indeterminada. Aún no se habían derrumbado las Torres Gemelas y el mundo no se había digitalizado, con la falsa sensaciónde que lo sabemos todo sobre todo y sobre los demás.

La representación del Diablo como un macho cabrío corresponde al Akerra, un representación de las fuerzas de la naturaleza y su poder genésico, muy perseguida en los tiempos de la Contrareforma. El Akerra aparece en un famoso cuadro de Goya sobre el mundo de las brujas.

Todos estamos familiarizados con el mal de la vida real y hasta participamos de él. Es de un gris mediocre y banal. No necesitamos machos cabrios para tener miedo al futuro sino más miembros de Limpia Madrid que se salgan con la suya.

Para ver:

https://www.youtube.com/watch?v=iUtXKhWTX3A 


viernes, 20 de mayo de 2022

Muertos de risa, de Alex de la Iglesia. (1999)

 


Esta cinta de finales de los 90 nos habla de un mundo que va desapareciendo: el de los cómicos españoles de club nocturno, que acabaron trasladando el espectáculo a la televisión. En las décadas de 1970 y 1980 Nino ( el Gran Wyoming) y Bruno (Santiago Segura) hacen bolos con pésima fortuna en la discoteca Peoples. Allí se conocen.

Quiero hacer un inciso para decir que la discoteca Peoples está vagamente basada en una que hubo en Basauri.

Bruno idea un espectáculo en el que él hace de humorista dominante y basa su humor en dar continuas bofetadas a Nino, que no puede superar de otra forma su pánico escénico. El problema de este humor es que hay que ser dos: no es para nada individual. Los graciosos no son los humoristas sino el acto de dar el cachete.

Cuando surjan las primeras rivalidades por saber quién es el gracioso, quién es el que debe tener éxito con las chicas, de saber a quién de los dos quiere la gente, la situación se irá envenenando hasta un sangriento y desternillante final.

Nota I:

Nino y Bruno están vagamente inspirados en los payasos parisinos de la Belle Epoque Footit y Chocolat (este último era un antiguo esclavo afrocubano, el que recibía las bofetadas y las aparentes humillaciones). Chocolat vivió un tiempo en el País Vasco, como obrero fábril, bajo el apodo de el "Rubio de Barakaldo".

Nota II:

Esta es una de mis películas favoritas del director vasco porque en una escena de plató de televisión aparece como extra Arancha de la Iglesia, su hermana, de la que por entonces estaba ( y me temo que estoy todavía) platonicamente enamorado. Todos los días miraba un suplemento en el supermercado donde compro en que aparecía ella entre los extras.

Para ver:

https://www.youtube.com/watch?v=CBAXcZIRzKI

Veneciafrenia. (2021)



 Para empezar, si puedo evitarlo, no veo cine de terror. Y mucho menos películas slasher. Pero haremos una excepción por esta vez con esta película que, aunque no nos ahorra muertes escabrosas, no llega a los extremos de HOSTEL o PESADILLA EN ELM STREET. Quizá ese miedo a llegar al extremo, ese juego de estoy rodando terror pero no del todo, es lo que lastren como tal este slasher.

Isa (Ingrid García Jonhson), Susana (Silvia Alonso), Arancha, Javi y Jose son un grupo de amigos descerebrados en apariencia que desembarcan en un crucero en Venecia para hacer cosas para las que no era necesario salir de España como colarese en fiestas y ponerse ciegos de alcohol- que no pagan-. Hasta que desaparece Jose tras colarse en una fiesta subida de tono en medio del Carnaval de Venecia.

Un asesino vestido de Rigoletto mata turistas a la luz del sol, delante de testigos que creen que es una perfomance destinada a ellos. Todo forma parte de una conspiración para espantar a los turistas, meterles el miedo en el cuerpo para que los habitantes de Venecia recuperen su espacio, su identidad. Hay una conspiración en marcha. Pero fallan cosas en la trama policiaca.

Venecia es una ciudad de provincias de apenas 60.000 habitantes. Vale que desembarcan más turistas que vecinos en un día, y que los negocios no  orientados al turismo como los ultramarinos están cerrando en masa. Pero la muerte de una docena de turistas en una semana ya alertaría a la Policía. Sobre todo porque los carabinieri no pertenecen a un país en vías de desarrollo.

Si el inspector Brunelli sabe que hay manifestaciones en contra de los cruceros de lujo desde hace unos meses, ya debería estar enterado del posible movil de los crímenes. Sobre todo porque los turistas suelen ser gregarios y se preocupan los unos de los otros.

Las conspiraciones suelen fallar porque algunos de sus miembros cambian de opinión y deciden hablar con las autoridades o porque el efecto no es el deseado. Es imposible que funcione una trama en la que está metida una ciudad de 60.000 habitantes, seguramente menos, a espaldas del gobierno de Roma. Sobre todo si implica la muerte de ciudadanos extranjeros.

Para ver:

https://www.youtube.com/watch?v=461FVcTzmFk

domingo, 20 de octubre de 2019

Ser humano contra tiranosaurio.

Steve Brusatte es un paleontólogo que va más allá de la información que obtienen otros paleontólogos de los huesos fósiles. Sabe lo que pasaría si una persona se encontrase con un T. Rex en un hipotético Parque Jurásico y quién ganaría. Spoiler: los humanos salen mal parados.

Una noche lluviosa en la Isla Nublar. El tiranosaurio ha aprovechado un apagón para superar la valla eléctrica y ahora amenaza al paleontólogo Alan Grant y a la niña Lex, nieta del propietario del Parque. La niña grita. Alan le tapa la boca y le susurra: "No te muevas. No nos verá si no te mueves". Y, paralizados, se quedan a unos palmos de las mandíbulas cerradas del dinosaurio terópodo, cuyo aliento revuelve el cabello - y  seguramente el estómago- de Lex.

Brusatte dice de la escena de la película de Steven Spielberg: "Es una escena muy interesante. Crea tensión y suspense, pero el olfato de un T. Rex estaba muy desarrollado así que habría detectado a la niña y probablemente se la hubiera zampado. También tenían un gran sentido del oído, por lo que la habría escuchado gritar y respirar. Además, su vista no era tan mala como sugiere el filme".

Los guionistas creyeron que el público reaccionaría mal si en una película de acción los dinosaurios se zampaban a una niña por lo que optaron porque el T. Rex detectara a Gennaro, el abogado de la empresa, en unos lavabos cercanos y lo partiera en dos. Y a Gennaro, en un cubículo de cemento, sí que no tenía manera de verle.

"Yo hubiera elegido una escena igual de emocionante en la que no hubiese necesidad de acercarse tanto a una depredador de cinco metros de alto y doce de largo, porque lo que se ve en la película es un comportamiento irresponsable por parte de los adultos a cargo de los niños. Un suicidio para cualquier persona", explica Brusatte.

Correr para huir de un T. Rex tampoco nos serviría de nada. Un ser humano corre a 6 kilómetros por hora, y no de forma sostenida. Un Tiranosaurio corre entre 16 y 24 kilómetros a la hora. El dinosaurio no necesita correr para alcanzarnos porque sus zancadas son más grandes. Pero si tenemos un coche, las cosas cambian, ya que el dinosaurio terópodo se quedaría atrás.

Individualmente y desarmados poco podemos hacer frente a los dinosaurios. Pero si nos hemos convertido en la especie principal de nuestro planeta es por nuestra capacidad para cooperar y para modificar nuestro entorno en base a nuestras necesidades. Así que frente a un pelotón de marines con armamento pesado y estrategias adaptadas al periodo Cretácico Tardío es probable que el Tiranosaurio viviera su último día.

domingo, 10 de diciembre de 2017

PERFECTOS DESCONOCIDOS, de Alex de la Iglesia.

Por una vez en la vida, el material que usa Alex de la Iglesia no es enteramente suyo. sino del director italiano Paolo Genovesese. La idea es de lo más sencilla, casi teatral. Tres parejas y un hombre soltero - y gay- se reúnen para cenar en el apartamento de uno de ellos. Como juego de sociedad, y presuponiendo erroneamente que se conocen bien entre todos, deciden utilizar sus teléfonos celulares para leer durante la cena los mensajes y textos que vayan llegando.

Descubriremos que el joven taxista es un promiscuo incapaz de tener el pene dentro de los calzoncillos. Además se ha acostado con la esposa del cirujano plástico anfitrión. Otra pareja se engaña mutuamente en asuntos sexuales. Y el profesor de gimnasia gay sale del armario contra su voluntad.

Mi jefe Félix Díez compara esta película con UN DIOS SALVAJE, donde una pareja intenta negociar con otra una compensación por una gamberrada hecha por sus hijos pequeños en el parque. Del tono asertivo, casi empalagoso, acaba pasándose a un tono hosco y brutal donde todas las frustraciones de estas dos parejas salen a la luz.

Secretos hemos tenido siempre pero ese ansía por saber, por aprehender el conocimiento, como si saberlo todo de una persona significara tener su alma, no puede ser bueno. No es que estas parejas se engañen entre ellas, sino que entra en juego el deseo burgués de mantener las formas y el deseo capitalista de poseer al otro a través de sus secretos.

Para ver:

viernes, 13 de noviembre de 2015

MI GRAN NOCHE, de Alex de la Iglesia.

Es, con mucho, la película más caótica del director bilbaíno. Nos lleva a los entresijos del rodaje de un especial de Nochevieja, donde los asistentes parecen felices, pero solo lo parecen. Son parados que, como las focas amaestradas, rien y aplauden cuando se lo ordenan. No pueden salir porque fuera hay un piquete que protesta por 500 despidos a manos del director de la Cadena, un tal Benitez (Santiago Segura).
Pepón Nieto interpreta a Jose, uno de estos figurantes. Le toca sentarse a la misma mesa que una chica muy simpática paro con una marcada fama... de gafe. Los presentadores de la gala son una pareja que no se puede ver y cuyos parámetros amorosos varían en función del devenir de la rivalidad por sus respectivas carreras. Alphonso ( el cantante Raphael) es un divo insoportable que se divierte humillando a su hijo y está preocupado porque ven que le quitan el puesto de más rating por culpa de Adanne (Mario Casas), un niñato medio tonto que se acuesta con dos chonis oportunistas. Un loco ha entrado en el plató con la intención de hacer efectivas las amenazas contra Alphonso. Las dos regidoras son lesbianas y les preocupa que Benitez las despida. Sigue y sigue...
En Filmafinitty, donde esta película no tiene buenas críticas, quizá por lo difuminado del argumento, casi infantil de no ser por algunas escenas de violencia caricaturizada, decían que muestra el carácter real y lo que hay detrás de muchos personajes que aparecen en las tertulias rosas.
Yo me quedo con una frase que uno de los figurantes de MUERTOS DE RISA dice: "Esto del humor es un asunto muy serio"

Para ver:
https://www.youtube.com/watch?v=KBahnqECT7o

jueves, 29 de octubre de 2015

La comunidad, de Alex de la Iglesia.

Julia  (Carmen Maura) es agente inmobiliaria, una de esas personas que se dedican a mostrar pisos a posibles inquilinos. La mayoría de esos pisos están en la parte alta de la capital, y no se los puede permitir. Un día aprovecha que un ingeniero ha muerto, y dejado libre uno de ellos para irse a vivir en él unos dias, mientras hace que lo vende.
Una mancha de humedad procedente del piso superior la llevará a encontrar al anciano vecino de arriba, muerto de miedo (lo de "muerto" y lo del "miedo" es literal). Y una maleta llena de dinero, fruto de una quiniela exitosa.
Y lo que Julia no sabe, pero pronto va a descubrir, es que los vecinos se han organizado para hacerse con el botín, matando a quien haga falta por el camino. Desde el joven y atractivo latinoamericano, hasta la familia de mediana edad con un hijo, todos son unos hijos de mala madre codiciosos, que quieren el dinero de la maleta. Y matar a Julia por custodiar el botin. La agente inmobiliaria ha decidido ser honesta, y no dar nada a nadie, tras la espantosa muerte del anciano. ¿Sobrevivirá a la codicia del grupo de vecinos capitaneados de Emilio (interpretado por Emilio Gutierrez Cava)?

"El mal vive con el vecino de arriba.. Las comunidades felices, con casitas, jardines y perros correteando por doquier, solo existen en las películas irreales de Spielberg. La realidad es que un anciano muera solo en casa, y no se le presté atención hasta que el hedor de la putrefacción es insoportable para los que siguen vivos. Es la codicia, el mal larvado de la sociedad, la trastienda que se oculta tras cada sonrisa, lo que me interesan a la hora de elegir un motivo para escribir un guión con mi colega Guerricaetxeberría.
ALEX DE LA IGLESIA.

Curiosidades:

La cantidad de dinero en billetes grandes nombrada en la película no cabe en ninguna de las maletas del mercado a finales de los 90.

Una escena para ver lo peligrosos que pueden ser los vecinos:

lunes, 21 de julio de 2014

Alex Angulo; muerte de un actor.

Siempre quiso ser actor. Quizá por eso se presentó a un casting del grupo Karraka a principios de los 70, dirigido por Ramon Barea. No aparece como actor en la pantalla grande hasta el rodaje en 1981 de de SLa fuga de Segovia.
Durante 10 años alternó las tablas teatrales con pequeños bolos en la televisión Autonómica Vasca, (la ETB), en programas como "Detrás del sirimiri". Su gran papel televisivo sería el del periodista Blás Castellote en la serie de un canal privado "Periodistas", en la que compartió set de rodaje con actores de la talla de Amparo Larrañaga, José Coronado y María Pujalte. Aparece como Florencio en un episodio de la serie "Cuéntame".
En el cine, su día de suerte llegó con el rodaje de "Todo por la pasta", de Urbizu. Allí coincidio con Kiti Manver y un joven director artístico llamado Alex de la Iglesia. Este se convertirá en director con la ayuda de Ciby 2000, la productora de Almodovar, y a Angulo lo convertiría en su actor fetiche, pero sobre todo en un buen amigo. Rodó con él El día de la Bestia (1996) y Muertos de risa (1999) por la que recibió sendos goyas. No se si habrá química entre ellos o algo así, pero en ambas películas era coprotagonista con Santiago Segura, que es lo más pareido que tenemos en España a Jack Black.
¿Qué por qué lo nombramos hoy? Porque se ha ido al cielo de los actores, tras un estrepitoso accidente automovilístico mientras tomaba una curva a la altura de Fuenmayor (Logroño). Se dirigía a Zaragoza, donde se disponía a rodar Bendita calamidad, una comedia sobre un obispo secuestrado. El rodaje se ha aplazado, con todo lo que ello supone. Y es que la muerte es una actriz puntual pero inesperada, que siempre sale fuera de plano y que nunca aparece en los títulos de crédito de las ambiciones de este set de rodaje que llamamos vida.

miércoles, 2 de julio de 2014

Alex de la Iglesia da el sí quiero... y la nota.

Alex de la Iglesia se ha casado con la tinerfeña Carolina Bang en la más estricta intimidad, en una finca de Gerona. La novia llevaba un sencillo vestido blanco con cuello de barco.
Como De la Iglesia tiene un montón de imaginación, hizo un homenaje a su primero película ACCIÓN MUTANTE durante el banquete. Escondió un señor con una metralleta de fogueo en la tarta y se dedicó a acojonar a los invitados. También anunció las barra libre con varias explosiones. Así que puedo asegurar que varios expertos en efectos especiales acudieron al convite, y no a comer, precisamente....
Entre los invitados había actores como Terele Pavez (LA COMUNIDAD), Fernando Tejero (LA CHISPA DE LA VIDA) y dos tipos de los eslabones inferiores de la cadena como el empresario hostelero Adolfo Lasarte, muy elegante con su frac del siglo XIX, y  el programador de cine Félix Díez, con un look más bien de Mortadelo. Lleva unas gafas oscuras,como si quisiera recalcar que el que va a la boda es Adolfo, que él va porque el susodicho es su lazarillo...
Como no tengo la foto de estos dos personajes en el lugar de autos, porque la única copia disponible está en el muro de Félix, pongo esta del día en que nos invitaron a los del Social al premio a la mejor página web de un servicio público. Gerardo Ayo, el señor de la izquierda, no estuvo presente.

domingo, 13 de abril de 2014

Plutón BRB Nero.

Hace tiempo que no me acordaba de esta serie de televisión, la que me parece que es la única aportación de TVE a la ciencia ficción.
La acción, en clave de humor, nos lleva al año 2530. La Tierra está contaminada hasta las cachas. Como la serie se produjo antes del estallido de la crisis ninja de 2008, otra de las consecuencias de la debacle es que se ha usado todo el terreno edificable. Los mares han crecido y la gente vive en zonas pantanosas superpobladas.
La triplación de Plutón BRB Nero, comandado por el pijo y un poquitín tiranuelo capitán Valladares, recibe la misión de hacerse cargo de 5000 colonos criogenizados y buscar un planeta muy parecido a la Tierra para empezar de nuevo.
En esta serie aparece la segunda compañera sentimental de Alex de la Iglesia en el papel del androide científico LORNA. Esto llevó a Alex de la Iglesia de cabeza a una demanda por parte del dibujante de comics Azpiri, que tiene un personaje parecido, aunque con una mayor carga erótica.
Adolfo Lasarte aparece en uno de los episodios como el extraterreste con rasgos de insecto Enema, de oficio auditor de Hacienda. "Al principio se suponía que tendría unas lineas. Pero no me las aprendí. Por eso, Enema zumba, pero no habla".

lunes, 7 de octubre de 2013

La chispa de la vida.

Que conste que veo todo lo que trae Alex de la Iglesia a los cines porque lo conozco personalmente. Pero esta cinta no tenía el tono correcto.
Es la historia de un publicista en paro (el humorista José Mota), casado con una mexicana (Salma Hayek) que, tras ser rechazado en su antiguo empleo, decide conducir para visitar el lugar donde conoció a su mujer. El sitio es ahora unas ruinas arqueológicas.
El personaje sufre un accidente y se queda atrapado, como mariposa de colección prendido de la cabeza a unos hierros de la excavación. Sus socios sienten un renovado interés por él. Un tipo pegado a unos hierros. Ahora pueden promocionar toda clase de productos.
Es un drama sobre la dignidad humana, con mucho humor negro y bastante mala leche. El problema es que Alex la estrenó durante lo peor de la crisis ninja de 2008. Durante le gran depresión los cineastas de Hollywood rodaban westerns para distraer de los problemas al público. O De La Iglesia distrae o denuncia. Sorber sopas y comer carne a la vez no se puede.

Trailer:
https://www.youtube.com/watch?v=pAYSLGUm4oo

Las brujas de Zugarramurdi; un acercamiento de Alex de la Iglesia a los roles de género.

En primer lugar he de decir que por alguna extraña cuestión tecnológica mi ordenador no me ayuda a incluir fotografías en este servidor.
En segundo lugar, la última cinta de Alex de la Iglesia es hilarante. El cine estaba lleno, y eso, en los tiempos que corren no tiene precio.
Unos amigos desorientados, perdidos en relaciones de pareja abusivas o desproporcionadas, deciden cometer el acto simbólico de robar en un establecimiento de Compra de Oro un botín de anillos de compromiso usados.
Huyen en un taxi hacia Francia, pero se quedan atrapados en Zugarramurdi, una localidad guipuzcoana fronteriza. Uno de ellos, el cabecilla, interpretado por Hugo Silva, lleva consigo a su hijo, porque no se le ocurre nada mejor para mantener una relación con él.
El niño resulta ser el Elegido, el personaje que da sentido a la existencia de un coven de brujas feministoides. Ahora el compromiso es salir todos allí con todas las partes del cuerpo intactas, y con algo más, Eva, una bruja dispuesta a traicionar a las suyas por amor.
La comedia funciona. Parece que se mofa de los roles de genero tradicionales. Tíos desorientados y conscientes de que en las relaciones de pareja no tendrán jamás el poder; mujeres resentidas, que solo pactan con lo que ellas creen que son los valores tradicionales femeninos, y no son mas que una copia de los peores esquemas masculinos. Eva (Carolina Bang) obligada a usar su cuerpo como arma, y que aspira a algo más, algo mejor, que la complete como mujer y no como hembra.
Solo por las risas vale la pena.

viernes, 18 de marzo de 2011

800 balas





Sancho Gracia y su disfuncional banda de forajidos.
Alex de la Iglesia está en un poblado del Oeste donde un grupo de especialistas representan una obra teatral para lucir sus habilidades. De repente, unas filas más adelante, el bebé de unas de las espectadoras rompe a llorar. Los duros vaqueros dejan lo que están haciendo, y, con la mayor ternura del mundo, se ponen a hacer carantoñas para tranquilizar al niño.
Esta escena saldría después eln la película 800 balas, un homenaje a los especialistas de cine, y a la época en que los españoles eran los más cotizados para rodar los spaguetty western de Sergio Leone, en Almería.
Quiero hacer un inciso aquí para recalcar el mérito que tuvo el protagonista, Sancho Gracia, a la hora de rodar su papel. Había sobrevivido a un cáncer, y se le acababa de extraer un pulmón. Aún así, insisitió en rodar todas las escenas de acción personelmente, de tal forma, que De La Iglesia tuvo que recordarle que sin él no había película.
De hecho, esto pone a gracia codo con codo con el artista de las artes marciales Jackie Chan, que también insisite en que no se le doble cuando tiene que hacer trucos de acción y hasta tiene materiales patentados.

Para ver:

martes, 15 de marzo de 2011

Crimen Ferpecto.


!He visto la luz! Las entradas sobre la filmografía de Alex de la Iglesia tienen éxito en el sitio donde trabajo, sobre todo para mi jefe. Así que le proporciono el correspondiente comentario a otra de las películas destacadas del director bilbaíno y antiguo estudiante de la Universidad de Deusto.


"Crimen ferpecto" es la parodia perfecta de la sociedad de consumo, personificada por Rafael (Guillermo Toledo), un auténtico fashion victim. Rafael trabaja como vendedor de ropa en unos grandes almacenes de Madrid, compadeciendo a sus compañeros de la planta, a los cuales en el fondo desprecia. Tiene una afición. Se queda por la noche en la planta con sus compañeras de la sección de moda femenina, previamente seducidas por su labia de vendedor. Es un tipo que odia la palabra compromiso, que disfruta imaginando que lo tiene todo, porque es incapaz de optar por nada.


Los problemas de Rafael empiezan cuando mata a su nuevo jefe de planta tras una discusión. Esconde el cadáver, pero alguien lo ha visto: Lourdes, la única empleada que Rafael no ha tratado de seducir a causa de su fealdad. (Vosotros me contradiciréis, pero yo no creo que Mónica Cervera sea fea).


Rafael terminará chantajeado, cosificado, y en medio de una relación de pareja a una banda de la que no sabe bien como escapar.


Esta película nos anuncia con humor en manos de quien está realmente el mundo. No de los guapos con abdominales de gimnasio, o de las modelos de piernas kilométricas y pechos turgentes, sino de los feos. A los feos nadie les ha prometido nada, y todo les cuesta el doble. Los feos convierten la mediocridad en un arma mortífera y la usan contra el mundo de pastel de los aspirantes a Rafael, incapaces de querer algo más allá del deseo inmediato. Y eso el personaje interpretado por Guillermo Toledo lo aprenderá a su propia costa.

Para ver:
El trailer:

lunes, 14 de marzo de 2011

Balada triste de trompeta, de Alex de la Iglesia. Una crítica.


Se supone que somos amigos y pertenece a la parte de una generación que admiro - bueno, ahora un poquitín menos-. Pero la película "Balada triste de trompeta" no me ha gustado. No, del todo.

Es una alegoría sobre el tema de las dos Españas, un tema viejo en la filmoteca de este país, y por lo visto inevitable. La realidad es tan cruda que sólo es posible mostrarla así. Dos payasos, uno hijo de un payaso republicano y muerto durante la construcción del Valle de los Caídos, y el otro, una mala bestia primaria, que no sé a qué bando se supone que representa, se enfrentan por Natalia (Carolina Bang) ,o por España, que es lo mismo. Ambos terminan física y psicológicamente destrozados y sin nada por lo que luchar. Me gustaría ser más explícito, pero a lo mejor alguien quiere ver la cinta de marras, y se la acabo chafando.

Es una película hiperviolenta, pero como en cierta medida, es una cinta de guerra un tanto particular, está en parte justificado. Una de las Españas tratará siempre de aniquilar a la otra, más allá de la razón.

Hay una secuencia de guerra al principio del filme en que el papá de Javier, el Payaso Triste, interpretado por un comedido Santiago Segura, aniquila a un batallón de nacionales. Se nota aquí que se trata de una parábola alegórica. La violencia parece de videojuegos, la escena es corta, y creo que si Alex de la Iglesia tratara de retratar la confusión y la sangría al azar que era un combate de esa época, tendría serios problemas.

Pero es una película de guerra, al fin y al cabo. Una película sobre una situación dolorosa y esperpéntica, que jamás tuvo que suceder. De un trauma de los que sólo pueden suceder en este país.

De todas maneras, el de las dos Españas es un tema manido. Es necesario, como las películas acerca del Holocausto, pero sabemos en qué para todo. Sabemos cómo va a terminar las cosas antes de que aparezcan los primeros títulos de crédito. Ya se han hecho películas como "La caza" o "Viva la muerte", aunque ésta última se haya visto más por unos escasos franceses que por españoles.

Si olvidamos lo que he dicho antes, veremos que la pelicula está plagada de referencias a filmes anteriores de Alex de la Iglesia. Hay una pelea dramática en el Valle de los Caídos. Pero en películas anteriores, las batallas finales fueron en las Torres Kio o en otros lugares de la Gran Vía. Hay una escena final a gran altura. De acuerdo, "Vertigo", de Hitchcock, fue estupenda, pero, ¿es que no hay otros elementos que los planos en picado para transmitir acción? Por ejemplo, el agua.

Además que lo de los payasos ya parece ser recurrente en un tipo que publica un libro llamado "`Payasos en la lavadora" o filma "muertos de risa"(1994; Gran Wyoming, Santiago Segura), sobre dos humoristas de club nocturno, que descubren lo duro que es ser individuos, cuando están atados por el hecho de que sólo tienen éxito, hacen gracia, cuando el listo le da una bofetada al tonto. Y para dar una bofetada hace falta ser dos, ¿me siguen?

Para ver:
El trailer:

Richard Bass y la masificación del Everest.

  1) ¿Quién fue Richard Bass en el Everest? Richard Bass fue un millonario texano que empezó a escalar relativamente tarde y en 1985 alcan...